Crónicas del Snobground

BRIAN ENO VS. STEVE ALBINI

2011-12-28T19:35:00.029-06:00

EL ESTUDIO DE GRABACIÓN COMO
CAMPO DE BATALLA IDEOLÓGICO

por: Horacio Espinosa

El sonido y actitud tradicional del rockero, con algunas modificaciones obvias relacionadas a los cambios tecnológicos, ha permanecido más o menos igual en esencia. El rock debe remitir al sudor y lúbrica provocación de los movimientos de caderas de ELVIS PRESLEY. Desde el deificado residente de Graceland la imagen del rock puro es la de un grupo o artista que respira como una “entidad orgánica” llena de energía cinética, si tomamos la imagen proporcionada por el crítico Joe Carducci.

El rock se oponía a la cerebral música culta por su “calidez” o mejor dicho “calentura” escénica: bajo, guitarra y batería interactuando en tiempo real en un éxtasis físico de esfuerzo y visceralidad. El rockero por antonomasia es el que “lo da todo en el escenario” frente al calculado y frío lugar que ocupa un músico de orquesta el cual se encuentra despersonalizado, un elemento más del puzzle de la pieza clásica, meros interpretes de una obra preescrita por la genialidad del autor, el cual, ni siquiera debe encontrarse en el escenario. El rock es “autenticidad” y puesta en escena espontánea, o al menos es el “ethos” que se persigue. El artificio en el rock fue tardíamente recibido, y con muchas reservas.

Artificio o Autenticidad. Dos polaridades enfrentadas en la música popular contemporánea, probablemente falsamente radicalizadas, como todas las polarizaciones, pero no por eso menos reales en cuanto a “faros ideológicos” que guían la historia del rock-pop. Mientras en el arte canónico (la plástica, básicamente) no hay nada inocente y esto se asume como tal, en el rock, tradicionalmente más “naive” y menos proclive a las teorizaciones se cree todavía en los valores “puros” de la música como vehículo para “expresar” lo que “uno trae dentro”, de forma honesta y directa.

Es probablemente desde el Glam Rock que la idea del rock como medio “natural” de expresión se ha venido deformando. En el centro de esta tensión al interior del rock se encuentra el rol del estudio de grabación como campo de batalla simbólico, que trasciende la trastienda técnica. Es decir, el “como sonar y como no sonar” no es solamente una pregunta práctica, también teórica e incluso ideológica ya que esconde, como mínimo, dos maneras opuestas de entender el rock. Dos maneras que pueden ser ejemplificadas en las posturas contrapuestas de Steve Albini, por un lado y Brian Eno, por el otro. Varios motivos existen para considerar a estos dos productores musicales como personajes que se espejean.

Eno, de nacionaliad británica, fue un caso de genial precocidad desarrollada en un entorno desfavorable de pobreza y falta de comodidades típica de una familia de clase obrera.Como si quisiera escapar de ese entorno gris que son los barrios obreros ingleses, a los 16 años ya estaba estudiando arte y experimentando con el sonido. Había que escapar del mundo, no meterse más en el; Huir de las carencias y vulgaridades de “lo real”. Su primer trabajo como músico fue en la SCRATCH ORCHESTRA, agrupación dirigida por el compositor vanguardista Cornelius Cardew, también colaboró en la banda sonora de films de corte experimental. La ambición del explorador (y el conquistador) de planetas, fue desde joven, el motor que hacía andar a Brian Eno.

Steve Albini, norteamericano, aprendió a tocar el bajo en plena efervescencia del punk mientras se recuperaba de una fractura de pierna, pero su primer participación en un grupo fue como baterista en una banda de punk que pasó sin pena ni gloria llamada JUST DUCKY. Después estudiaría periodismo y cubriría la escena punk de la zona de Chicago, involucrándose en ella activamente, primero con la pluma y después con las cuatro y seis cuerdas en los irrepetibles BIG BLACK ,RAPEMAN y más recientemente en SHELLAC. En cierta medida, nunca dejaría el punk , incluso cuando se mueve por terrenos no tan underground.

Con el tiempo, ambos músicos alternarían la ejecución musical con el involucramiento en proyectos ajenos. Productor le gusta llamarse a Brian Eno, Ingeniero de Sonido le gusta llamarse a Steve Albini. Brian Eno, como músico/productor a sido un renovador de la textura y el discurso en el rock, dotándolo de artificio y sensualidad plástica en los primeros ROXY MUSIC , pioneros del Glam; llevando a DAVID BOWIE hacia un sonido frío, galáctico y "filosófico" en su etapa más vanguardista en Berlín; y como productor, haciendo que la saltarína escena New Wave neoyorquina asumiera líneas de fuga experimentales en el “Remain in Light” de TALKING HEADS, una de las joyas de los ochenta, así como en la compilación No New York, matriz de lo que se conocería como la "No Wave". Sus producciones no son vastas pero casi todas hitos rompedores en la historia de la música popular.

Por su parte, Steve Albini representa, para muchos, la “honestidad”, el apego al canon del rock, a la autenticidad y la lucha feroz contra “la dominación tecnológica”. Desde el punk como bandera, su formula como “Ingeniero” es la de “no figurar”; respetar a cada grupo en su sonido, intentando que suenen “lo mas fieles a si mismos”, sin adornos. Las bandas con las que ha colaborado son miles, como buen obrero, y de todos los rincones del mundo, muchas de ellas no figuraran en los libros de historia del rock como la española LA HABITACIÓN ROJA, pero otras han sido básicamente los bombazos que han marcado el rock de finales de los ochenta hasta la fecha, el ha sido “productor”.... perdón Don Albini: “Ingeniero” del “Surfer Rosa” de PIXIES, el “Rid of Me” de PJ HARVEY o el inmenso single “My Father, My King” de MOGWAI. Puro trallazo visceral sin concesiones.

En cuanto a la manera en como se asume el trabajo en el estudio, el magnifico crítico Simon Reynolds dice sobre Brian Eno que este funciona a partir de la triada “timbre/textura/cromatismo” con la intención de crear, para cada canción, un “espacio psico-acústico ficcional”. Eno, de esta manera, desprecia hacer “el documento de una banda de rock” sino que su intención es crear un paisaje sonoro a partir de bases conceptuales. Es decir, que su visión de la música es visual (nunca mejor dicho). Se cuenta que Eno, antes de asumirse como el artífice de la renovación sonora de U2 durante los noventas le advirtió a Bono, palabras más palabras menos: la música me importa un pepino, estoy más interesado “en pintar cuadros”.

En su faceta como productor, para Eno el estudio lo es todo, hay que resaltar y llevar sus potencialidades más allá de todo límite. Expandir el sonido, magnificarlo, hacerlo que vuele, crear atmósferas, hacer uso de efectos. Conseguir que los sonidos nos hagan imaginar cosas. El grupo que toca frente a Brian Eno es importante, pero su mente prodigiosa de productor tiene mejores planes para ellos... El productor es Dios Creador.

Julián Ruiz, critico y productor español más bien mediocre y en la línea de los 40 principales, con típico prejuicio rockero ante la palabra “Arte” pretende “ofender” a Brian Eno llamándolo ¡Intelectual!, no le perdona que, en su opinión, desprecie el trabajo artesanal asumiendose como “Artista Total” antes que como "Músico". El cuenta que en una entrevista con Bryan Ferry ex vocalista de Roxy Music este se refirió al genio del ambient como un “pendejo engreído" que ve a la música como mero “entretenimiento” (y fuente de dinero, of course). Es por todos conocido que Brian Eno posee (casi) todos los derechos de Roxy Music y por lo tanto en la reuniones de Phil Manzanera y compañía su repertorio es bastante limitado. Tendría que regresar Eno a la alineación cosa que le parece tan humillante como trabajar de cargador en un mercado de abastos. Se siente mejor trabajando para Microsoft en el desarrollo de la sonoridad del ambiente windows ($$$).

Brian Eno prefiere las texturas sonoras a manera de colores en una paleta con los cuales pintar ambientes acústicos en menosprecio de los riffs y las secciones rítmicas; para conseguir esta prevalencia del "cromatismo" en la música se vale de una infinidad de “trucos” de estudio. Steve Albini, es otra historia. Se ha ganado una merecida fama entre la fauna rockera por su forma de grabar los riffs de guitarra y la sección rítmica de la batería, sobretodo. En la wikipedia dedicada al Surfer Rosa de Pixies se asegura que utilizó metodos “experimentales” para grabar las baterías. Esto no es tan cierto. En todo caso, su método podría describirse como “hiperrealista”.

Para Steve Albini, un estudio muchas veces “falsea” el sonido del grupo de rock y para buscar el efecto "de realidad" suele recurrir a “ocurrencias” para hacer que el grupo parezca más fidedigno: graba a las bandas “en vivo” y no instrumento por instrumento, coloca micrófonos en todo el espacio de grabación para rescatar el eco “real” o “natural” de los lugares, graba las baterías en el cuarto de baño para que suenen “de verdad”; incluso, en algunas ocasiones no quita de la grabación algunas de las conversaciones que tiene con los músicos, como el famoso “You fuckin Die!” entre el y Frank Black de Pixies incluido en la canción “Vamos”.

El método de Albini es el tan odiado por Brian Eno “método documental”. El de Chicago se subordina ante la propuesta de la banda y lo que pretende es ayudar a que estos suenen como si estuviesen tocando en vivo. Su papel como ingeniero es el de “desaparecer” de la grabación final, haciendo solamente de apoyo para que el grupo desarrolle su “propio potencial”; se dice que el afirma que si un grupo es bueno sonará bien, y punto. Para Albini, es un insulto al músico que el productor tome el mando del grupo durante la grabación cuando su trabajo debería consistir solamente en resolver problemas. Se comenta que cuando cobra lo hace en función de si los miembros de la banda le parecen simpáticos o si “rockean” o no. Suele no cobrar o cobrar poco si el grupo le parece apasionante.

Su filosofía respecto el rock es tan inquebrantable que en la carátula del CD de “Songs about fucking” de Big Black, afirma: “El futuro pertenece a los leales a lo análogo. ¡A chingar a su madre con lo digital!". Es como si reconociera cierta naturaleza "pura" en el ruido sin artificios, en la falta de pulimentos. Albini ve en el ruido el último escalón de una naturaleza perdida, el remanente de esos sonidos ahora civilizados que sirven para relajarse en los centros comerciales o aeropuertos. Está claro que Brian Eno es su perfecto opuesto en tanto creador de joyas ambient del tipo “Music for Airports”, antecedente del intrascendente y etéreo chill out.

Para Joe Carducci, el rock, como música “pesada” remite a valores “viriles” relacionados con el trabajo: Industria pesada, maquinaría pesada, cero refinamientos. Brian Eno trabaja en la acera de enfrente del rock. Es un detallista cerebral que busca la armonía de un conjunto antes que la “sinceridad” de una pasión bruta y destructiva. En el esquema tradicionalista del rock Brian Eno sería un “afeminado”.

Albini intenta, como ingeniero, tener el rol imposible de desaparecer y dejar solo el ruido de los grupos en estado bruto, extraña paradoja ya que los discos que produce son precisamente recordados por tener “el sello Albini”. En cierta medida, Steve, es un conservador, su lucha es por que nada se entrometa (la tecnología, el ingeniero, la razón, el capital) entre el escucha y el ruido “al natural”. Pero, la música como cualquier otra forma de cultura es todo, menos natural, todo menos ingenua. El hace “artificiosamente” que los grupos suenen “naturales”. El quisiera, seguramente de forma honesta pero "naive" que la música no estuviese inserta dentro del mercado, lo cual es contradictorio con el hecho de que el mismo ha sido "el centro del mercado" y si no ¿Por que aceptaría hacer el “In Utero”, disco póstumo de NIRVANA, probablemente el último gran negocio de la MTV y del rock?

Curiosamente, en el mismo año de 1993, y cada uno por su cuenta obviamente, produjeron dos discos bastante exitosos y representativos, cada uno a su manera, del sonido de la década de los noventa. Brian Eno el “Zooropa” de U2 y Steve Albini el “In Utero” de Nirvana. Podría haber elegido trabajos más oscuros y snobs, pero no hace falta, estos álbumes, además de ejemplares son bastante elocuentes. Aquí van dos tracks, uno de cada uno. El sinuoso y artificial “Lemon” de U2 versus el austero y visceral “Heart Shape Box” de Nirvana. Cada canción es una joya en la producción pero además dos formas distintas de entender "el artesanado" del rock así como dos esquemas éticos, filosóficos y políticos opuestos ¿Hay experiencias de armonización entre estas perspectivas divergentes en la historia del rock? Yo creo que si, pero de eso hablaremos en otra ocasión, ahora, mánchense las manos: ¿Eno o Albini?

LISTA NADA EXHAUSTIVA DE PROUCCIONES.

BRIAN ENO

Ultravox – “Ultravox!” (1977)

Mars, D.N.A, Lydia Lunch y otros – “No New York” (1978)

Talking Heads – “Remain in Light” (1980)

John Cale – “Words for the dying” (1989)

U2 – “Acthung Baby” (1991)

James – “Laid” (1991)

Slowdive – “Souvlaki” (1993)

U2 – “Zooropa” (1993)

David Bowie – “Outside” (1995)

Coldplay – “Viva la Vida” (2008)

STEVE ALBINI

Pixies – “Surfer Rosa” (1987)

Breeders – “Pod” (1990)

Fugazi – “In on the kill taker” (1992)

PJ Harvey – “Rid of Me” (1993)

Nirvana – “In Utero” (1993)

Varios – “The Beavis and Butthead experience” (1993)

Melt-Banana – “Speak Squeak Creak” (1994)

The Ex – “Starters Alternators” (1998)

Neurosis – “A sun that never sets” (2001)

Godspeed! You Black Emperor – “Yanqui U.X.O” (2002)

TWIN PARADOX

2011-12-22T16:14:00.008-06:00

Extraño mundo de paradojas en el que vive Twin Sister. Mientras su ep “Colour your life” (Infinite sound, 2010) se convirtió rápidamente en carne codiciada del snobground más o menos “enterado”, ahora con su primer y más pulido primer disco esta microcamarilla de fans quizá se extinga debido precisamente a su evolución como grupo. Para su primer producción podríamos haber colocado a Twin Sister en el circuito de los grupos post Stereolab y post Cocteau Twins, es decir en una especie de universo dream-kraut, donde la gracia es saber calcar finamente a dos de las bandas mas laudeadas de los últimos 30 años. Es decir, su sonido era perfectamente reconocible como parte de un línea dadora de alcurnia, y aunque históricamente valorada, muy poco apta para las masas. Pues bien, ahora que suenan más “producidos”, es decir, menos sucios, peligra su reconocimiento “under” (Curioso vicio, del cual soy participe también, ese de valorar una banda por la “autenticidad” entendida como precariedad sonora y falta de pulimento). La paradoja en este salto del “first ep into the first lp” es que Twin Sister, siendo una banda tan joven y la cual no ha cambiado radicalmente de referencias, puede ser ahora banalizada como grupo que a alcanzado la “odiada” madurez, es decir, que a perdido su marca de independencia: el sonido lo-fi. Para muestra, de este salto ¿mainstream? es la voz de Andrea Estella, antes una fascinante cascada de gorgoritos y manierismos a la Liz Fraser, comparación más que obvia para aquellos que hemos tenido la oportunidad de disfrutar sus conciertos de “aquella época” (sic). Para esta grabación, la voz, se entiende mejor sin su anterior tendencia al infantilismo presumiblemente impostado; pero también se ha limpiado considerablemente la producción haciendo que el grupo se aleje razonablemente del radio de influencia Cocteau Twins para estar mas cerca de unos Blonde Redhead pop meets el rock psicodélico de los sesenta, desbarajuste de géneros que da cuenta de una banda que está tratando de conseguir la tan codiciada identidad propia. En suma, la extraña paradoja de este grupo, es que sea factible decir que su primera producción sea ya puerto de llegada y que esto provoque en algunos las ganas de correr a refugiarse en esa pequeña y naif habitación que era la portada de su primer Ep. ¿Añoranza por “ la inocencia perdida”? (¿o inexperiencia?); curiosos pliegues bizantinos en los que nos metemos los críticos cuando lo más seguro es que los integrantes de este grupo apenas estén empezando a sentirse cómodos con sus propios instrumentos. Y como todo depende del cristal con que se mire, para mi este es un maravilloso disco de pop, sin ensueños ni nada, lo cual no niega que su Ep sea una joya inmejorable de ese cacareado “pop de alcoba”, como les gustaba decir a algunos críticos por ahí del año 2000; y es que reconocer el pasado no es contraer matrimonio con nadie, así que los invito a salir de su habitación por mas acogedora que sea y por más que les encanten sus ositos de peluche. Dicho esto, que fastidio será escuchar ante la pregunta: “¿Te gustó el de Twin Sister?”, “Me gustó más el primero...” Salud.

ALBUM: Twin Sister – In Heaven (Domino, 2011)

EL GÉLIDO CABARET DE MARIA MINERVA

2011-12-22T15:58:00.004-06:00

El loco del reggae LEE “SCRATCH” PERRY, cuando le preguntaron que era el “dub” dijo algo más o menos así, en una de las definiciones más bonitas de un género musical: “todo sonido tiene su sombra, pues bien, el dub es la sombra de la música”. MARIA MINERVA, con su “Cabaret Cixous”, pero ya antes incluso, ha hecho un disco que es pura sombra. Maria Luur, rubia y estona, dejó su residencia báltica para hacer de Londres su hogar y es en esta metrópoli insular donde construye sus artefactos pop antes que canciones propiamente dichas. Acostumbrados a leer sobre ella lo mismo que se asocia a tantos otros: “revival synth pop”, “pop hipnagógico” (¡!), “chillwave” (uff!), “pop lomográfico” (¿?); hay que reconocer que al igual que estos “tantos otros” tiene una pasión vintage por sonidos, técnicas de producción y estética que no excede el año de 1989. Si acaso se arriesga a llegar a 1992. Lo que en mi opinión la pone un paso afuera de este museo de los lugares comunes y la nostalgia es su capacidad de absorción del dub y el ambient como elementos impuros para la lógica del moderneo-mercadeo pop. Sin exagerar su originalidad (la dupla dub/ambient es todo menos única), lo especial es la manera en que lo introduce en el esquematismo pop, sin sonar experimental o cacofónica Maria consigue hacer canciones que sorprenden por lo autorreferenciales y cíclicas, eludiendo crear estribillos o melodías reconocibles sin dejar de ser digeribles. La estona ha encontrado “el filo de la navaja” entre lo pop y lo experimental que en una anterior producción de este mismo año llamada “Tallin at Dawn” (en limitadísima edición de 150 ¡casettes!) se decantaba todavía más hacía lo segundo. Escucho a María y pienso en varios nombres: el modernista del dub MAD PROFESSOR por su manera de sacarle eco (sombra) a esos sintes emborronados; ANIKA, por su nórdico aliento a tormenta de nieve, tan aislado, tan enajenante ; pero sobre todo DANIEL LOPATIN uno de los hombres del momento en FORD AND LOPATIN (antes GAMES) y ONEOTHRIX POINT NEVER, proyectos con los cuales ha conseguido que el pop hecho con sintes suene a degradación sonora y reverberación ensoñadora. Que esta estona emocione sin obligarte a mencionar el revival Dream Pop como principal influencia sino a coetáneos suyos habla de que no todo en la música se ha vuelto una caja de reverberancia nostálgica.

Nota al pie: dicen que el título del álbum hace referencia a la pensadora feminista HELENE CIXOUS y que la portada es un guiño a la idea de ciberespacio descrita por los escritores cyberpunks de la era Reagan. Yo me imagino que en los bares de replicantes se escucha a Maria Minerva mientras se celebra con aire trágico que la vida es muy corta y no tenemos acceso al Dios de la multinacional que posee nuestro codec vital.

ALBUM: Maria Minerva – Cabaret Cixous (Not Not Fun 2011)

S.C.U.M

2011-09-29T12:22:00.005-05:00

I'm your creator
I think you fuckin traitor, chronic masturbator,
Shitlicker, user, self-abuser, jigger jigger!
What rock did you crawl from?
Which ..... did you come?
You Judas, Brutus, Vitus, Scum!
Hey four-eyes, come
That's right, it's a gun
Face is bubble, blood, and ...... street
Snowman with six holes clean into his fat fuckin guts
Psychotic drama mounts
Guts well deep then a spring is fount
I unload into his eyes

Blood springs
Dead snow
Blue skies

Scum. Nick Cave.

LA PASIÓN POR LA DESTRUCCIÓN ES TAMBIÉN PASIÓN CREATIVA

2011-09-29T11:57:00.012-05:00

El rugir de los leones, el aullido de los lobos, el oleaje furioso del mar

huracanado y la espada destructora son porciones de la eternidad

demasiado grandes para que las aprecie el ojo humano.

William Blake. Proverbios del Infierno.

Celestial Lineage 1
Celestial Lineage 2

Chaquetas mentales y musicales.

2010-11-03T11:06:00.005-06:00

Cuando se es asiduo a conciertos uno siempre imagina cómo será ver a esas bandas que por alguna u otra razón han dejado de existir o que uno ve difícil pueda observar y escuchar en su vida. En la reciente presentación de Pixies en México, básicamente en la primera de todas las fechas, la del Corona Capital, hubo muchos comentarios al respecto, afirmaciones del tipo: "Crecí escuchando Pixies, un cabrón me regaló un casette y me volví loco. Ahora por fin puedo verlos y no me la creo". José Manuel Aguilera, vocalista y líder de La Barranca, era uno de los espectadores durante ese primer concierto de los de Boston en el país, durante el concierto su rostro no dejaba de demostrar satisfacción por lo que su ojos veían y sus oídos escuchaban; no sé si era la primera vez que veía a Pixies pero por su actitud parecía que sí. Así, uno fantasea con las bandas que lo han marcado y que disfrutaría poder ver en vivo aunque sea una vez.

Esta expectación crece cuando se trata de un festival, en donde la oferta musical se amplía y donde también los milagros pueden suceder, no por nada hay quien dice que estos eventos son una navidad adelantada. Aquí la cosa cambia, ya que no hablamos de un artista o banda solamente, sino de un cartel especifico, un cartel ideal. Se sueltan las preguntas ¿Cuál sería tu cartel ideal? ¿Qué bandas estarían siempre en un festival que organizaras? Y nuevamente la imaginación vuela. No cabe duda que según las respuestas obtenidas puedes darte una idea del tipo de festival que se imagina cada cual.

Pues bien, siempre he creído que un festival surge de esa idea, de esos sueños y de despertarse un domingo pensando en la bandas que tocarían en nuestro festival ideal. Y es así que cada festival va adquiriendo su propia personalidad y se van haciendo de un mayor o menor número de simpatizantes, algunos serán hypsters, de tendencia, mainstream o tan de avanzada que sólo cuenten con un asistente. En fin, afortunadamente hay espacio para todos y se puede elegir un favorito, aunque muchas veces no se pueda asistir a él basta con ver el cartel y emocionarse con los puros nombres ahí mencionados. En ese tenor, uno de los eventos más importantes de un festival, antes del propio evento, es el de las confirmaciones de artistas, que siempre son a cuenta gotas para que la emoción crezca y las entradas se vendan como pan caliente.

En ese tenor se inserta el Primavera Sound, uno de los festivales con más identidad y de los que mayor expectación crean a nivel internacional. Durante 10 años el festival ha ido marcando su idea de lo que debe ser un buen festival, en donde conjugan buena organización con buen gusto musical, librándose (al menos un poco, no del todo) de aquellos festivales hypster (Coachella, por ejemplo), con una apuesta muy clara, casi doctrinaria de lo que ha sido el devenir de la música. Así pues encontramos en un mismo sitio a esa banda que apenas va surgiendo y sólo ha sido escuchada por 10 personas, pero que en el Primavera será escuchada por más de 12; encontramos con mucho agrado también (y creo que este uno de los grandes aciertos de este festival) el rescate de bandas que han significado mucho para una época y que por algún motivo cayeron en el olvido y ahora resurgen para tocar por única o primera vez después de varios años de silencio.

Y como una estrategia de marketing (ellos lo dicen abiertamente, pero marketing de la banda, no del festival) anuncia para su edición del 2011 una banda que será anunciada el próximo 8 de noviembre y que será una gran noticia a nivel internacional. Es de esperarse el revuelo que ha causado tal anuncio y no es para menos, decir que éste será tema en la mayoría de los foros musicales no es cualquier cosa. Lo que nos lleva a preguntarnos y preguntarles ¿Qué banda o artista puede ser? ¿Quién puede causar ese gran revuelo? Uno puede empezar a imaginarse cosas, y como siempre habrá quien no salga de decir las bandas de siempre: Kings of Leon, Interpol, Franz Ferdinand, The Horrors y demás bandas que siempre son solicitadas en cualquier tipo de festival. Pero si volvemos sobre la idea de que el Primavera Sound tiene una idea clara de lo que es su festival, uno puede pensar en dos cosas (al menos esas se me ocurren en este momento) 1. El anuncio de un reencuentro de una banda "choncha" y que muchos esperan ver en vivo (The Smiths, Pulp, Cocteau Twins, Television, Velvet Underground, Suicide......Bowie) 2. Que una banda decida decir adios dentro del festival, en este tenor no se me ocurre alguna banda.

Es momento de echar a volar la imaginación y creer que nuestra banda favorita puede ser una confirmación para el Primavera Sound. ¿Ustedes cuál creen que sea?

..................... ANTI - MÚSICA.......................

2010-11-01T14:36:00.008-06:00

Hace un tiempo, el primer post de este blog (cuasi) musical se llamó “Anti – Vice”. Y el nuevo número de la revista Vice se llama “Anti – música”. Una declaración de guerra. Pero, por esta ocasión, y venciendo el asquito de ese magazine de moderneo, Vice ha ganado. No es que seamos “anti – música” pero los artículos ahí expuestos no tienen desperdicio: Uno donde habla de la música como sistema de control y adormecimiento de masas en supermercados, ascensores, comerciales....; Otro donde desmitifica el supuesto glamour de formar una banda de rock; Otra donde braman contra la industria musical; Una entrevista con los “anti – musicos” por excelencia: la banda anarco punk CRASS..... Incluso llegan a sugerir que la extrema proliferación de música en la actualidad es la causa de nuestra contemporánea estupidez y problemas mentales. Lo que me queda claro es algo: la música es poderosa y como dicen ellos mismos, es el arte que más “coloca” y puede volverse “esclava de las fuerzas del mal”.

CONTENIDO DEL ANTI-MUSIC ISSUE

LCD Soundsystem

2010-10-20T16:01:00.005-05:00

Entrevista a James Murphy
Por Horacio Espinosa

“Publicada originalmente en la web Siliconsexy.com en algun punto del año 2005 y con motivo del lanzamiento de su primer álbum, de título homónimo. Reproducimos, tal cual, esta entrevista con el hombre detrás de LCD Soundsystem. Ahora, que parece ser la última gira de la banda antes de su desaparición, es extraño releer un texto hecho con la mira puesta en el futuro cuando este ya te ha alcanzado. ”

Para James Murphy todo tiene una clave punk. O post, como se quiera. Lo dice y lo reitera en esta entrevista a propósito de su glorificado debut en largo, titulado igual que su proyecto LCD Soundsystem y editado vía su propio sello: DFA Records. Más allá de la banalidad cool, James Murphy se nos muestra como un conocedor sesudo de la historia de la música independiente que aunado a su sentido del humor entre irónico y corrosivo hacen de el uno de los más entretenidos personajes para entrevistar dentro del mundo del rock. Siempre es de agradecer interlocutores que no se tomen ni a ellos, ni a los demás, tan en serio. BONO Y LOS AGUAFIESTAS.

En algunos tracks de tu LP se aprecia una vena guitarrera inédita en tus singles. ¿Por que preferir el post punk de pista de baile a los sonidos de vena más electrónica, cuál era tu intención?

Bueno, la canción más antigua de LCD es “Tired” y es totalmente guitarrera, por eso no se siente una gran diferencia aunque estoy consciente de que la gente lo pensará así. Y del álbum, el único track con la guitarra al frente es “Movement”, que es totalmente música “rock” (léase guitarra), así que pareció apropiado hacer que tuviera una pesada. Hay muy pocas guitarras en el disco, pero mucho bajo. En cuanto a lo de post punk, pues, pienso que ya como todo es después de 1976, entonces será post punk sin importar lo que haga. Además, por mi antepasado punk rock y cómo éste afecta a todo lo que hago, incluso cómo veo el arte o leo los libros, entonces cada disco que haga, aunque sean baladas en piano, será en alguna u otra forma un disco de punk.

Post punk, revival ochentero, new wave, no New York, yes New York... las revistas de tendencias musicales saturan sus ejemplares con estos calificativos; algunos hablan del hype de esta música. Tú, por supuesto, te encuentras en el centro de esta discusión. ¿Qué opinas de ello?

En verdad no me importa. Es una discusión interesante para tener con Tim en el estudio cuando hacemos las cosas y queremos hablar de sonidos y etcétera, pero es un poco plano como grupo de términos para inflar una reseña corta de discos: algo como ‘mezclando postpunk y new wave con techno de Detroit en una licuadora de rock and roll (insertar nombre de la banda de moda aquí), ellos ejecutan como The Stooges y hacen sacudir tu trasero nacido en los ochenta como el coctel que Frankie Knuckles preparó en el backstage de un concierto de The Cure’ bla, bla, bla.

A veces parece, en algunos tracks, que tu música es el resultado de maratónicas jam sessions donde a un ritmo base se le van incorporando, in crescendo, diferentes elementos que le dan intensidad a la canción. ¿Cual es tu forma de trabajar en realidad?

Yo toco todos los instrumentos en casi todos los casos. Nunca es un grupo de gente tocando al mismo tiempo (excepto en Yeah, que somos Pat y yo), así que no son jam sessions. Puede ser que escriba cosas enteras en mi cabeza y después las “grabe”, o que tenga ideas simples que después persigo capa tras capa en las mismas formas tediosas que siempre uso. Ah, y un poco de T-Rex por aquí, un poco de left-field disco por allá...

Cuéntanos un poco sobre DFA Records, cuáles fueron las inquietudes que te llevaron a crearlo y cuáles son tus estrategias para coexistir con las poderosas multinacionales.

Hicimos DFA Records por la misma razón por la que hicimos el estudio, la fiesta, LCD, y el equipo de producción: odiamos la forma en que otras cosas son manejadas. Odiábamos los estudios y los sellos, y en vez de estar fumando mota sentados en nuestras casas, quejándonos e inventando ideas inservibles e idiotas (y aun así arrogantes) acerca de chingaderas de las que éramos muy flojos o ignorantes para hacer algo al respecto, pensamos que sería un buen experimento poner dinero en vez de palabras y HACER ALGO. Estamos tan en contra de las ‘grandes y poderosas compañías de discos’, como de los aburridos e idiotas indies. Es la pelea de un amante de la música contra ella, la forma en que se hace, en que es escuchada, en que es vendida, todo. Es una pelea comenzada por el mundo y continuada simplemente por tres idiotas en Nueva York lo suficientemente estúpidos como para ser enganchados por el argumento. Y aquí estamos, Jon, Tim y yo, hundidos hasta el cuello en malentendidos, traiciones humillantes, nuevos amigos e ideas quemadas, tratando de llevar al otro lado algo del último debate, mientras tratan de, no sé, hacer lo que hacen diario, como firmar algún acto de la cuarta ola de psycho folk ahora que Devendra Banhart y Joanna Newsom lo han hecho bien.

¿Cuál es el futuro para LCD Soundsystem? Háblanos sobre proyectos y colaboraciones futuras.

Estamos practicando diario ahora, lo que es algo extraño. Estamos aprendiendo a ser una mejor banda y tocar todas nuestras canciones. Después de que hagamos el tour de este disco, cada quien en el grupo decidirá si quiere seguir haciéndolo. Si no quieren, entonces decidiré si busco gente nueva para tocar y comer todos un banquete y emborracharnos con vino de mediana calidad y decir entre nosotros ‘eres cool’ y ‘será muy raro si alguna vez tocamos un show y estás en la audiencia’ y cosas así. Trataré de evitar conocer gente famosa, principalmente porque ellos usualmente son encantadores, y entonces me descubriré diciendo cosas como ‘oh (insertar Bono, o lo que sea aquí) es en verdad muy buena onda’, en cuyo punto entonces tendré que suicidarme.

Perfecto Artista Snob

2010-04-21T07:54:00.010-05:00

Por: Rafael Villegas
www.rafaelvillegas.net

El Bardo

Vivía en Tepic y tenía 15 años cuando se me ocurrió que sería buena idea emular a ese poeta llamado Nervo que tanto querían en todos lados. Con mi cuaderno Scribe, lápiz y pluma, comencé a rondar un par de sitios donde, me habían dicho, solían aparecerse y desaparecerse los bardos de la ciudad. Yo no sabía qué era un bardo ni que los podía encontrar si seguía el olor del café.

Las primeras veces los miré de lejos. Fingía interés en los libritos del librero al que llamaban librería, mientras los espiaba de reojo y reoído. Los recuerdo leyendo y callando, o aplaudiendo cuando no leían. Reían, miraban al techo y se contemplaban deformados detrás de los humos de cigarros. O así me parecía, escondido detrás de libritos que casi siempre tenían harto polvo y títulos que evocaban a la naturaleza, al amor o a los indígenas que, desde entonces, eran utilizados para construir discursitos identitarios (por ejemplo, los equipos deportivos siempre se llamaban Coras de Tepic, igual que en otros lados se llaman Jaguares de Chiapas, Chivas de Guadalajara o Pumas de la UNAM. Animal y etnia reconfirmándose en su subordinación).

No sé cuántas veces fui a ese sitio hasta que me animé a acercarme a uno de los bardos. Tenía el cabello largo y vestía camisa de manta con motivos autóctonos. Me viene a la memoria un venado de colores estridentes, o tal vez no. Le pregunté si podía incorporarme a su escuela de poesía, pues alguien me había contado que lo que ahí hacían era estudiar para escribir poemas. Me miró. Ahora creo que en su camisa de manta no había un venado de colores estridentes, sino un hombre flechando a un niño. El hombre sonrió y me dijo: “Aquí no hay escuela, el arte no se puede enseñar, el arte se vive… y no creo que tú hayas vivido mucho”.

Como buen adolescente resentido, ese día regresé emputado a casa, mascullando que si en algún lado existían escuelas para poetas, jamás tomaría clases en alguna. Años después, supe que el tipo con el que había hablado era uno de los más importantes poetas nayaritas (de esos que pululan como las plantas que cubren el río Mololoa de Tepic) y que le encantaba la trova. Para entonces, ya sabía que la trova no era muy de mi agrado.

El Actor

Compartía una reunión con escritores, casi todos poetas, en un salón subterráneo de algún hotel. La noche comenzaba y lo poetas, por supuesto, no sólo querían hablar de poesía sino leerla. Y así fue. Antes de salirme a tomar aire, con el pretexto de encontrar unos necesarios tacos de asada, los poetas llevaban ya una hora rolándose un micrófono, masticando las palabras, con las manos temblorosas sosteniendo hojas bond. Y yo que pensaba, como Anthony Bourdain, que no había nada más maligno que el karaoke (aquí a partir del minuto 4:13).

Pasé un buen rato en una taquería cercana. Iluso, supuse que cuando regresara aquello ya se parecería más a una fiesta normalita. Pero no, cuando bajé las escaleras me pareció escuchar aquello de que mi voz que madura y mi voz quemadura y mi bosque madura y mi voz quema dura. Lo más probable es que alucinara que Villaurrutia abría así otra hora de lecturas, ahora de esa escritura que algunos llaman, con cierta temblorina entrepiernal, poesía erótica. ¿Por qué me quedé? Tal vez por la morbosa duda de si aquello podía ponerse peor.

Y sí que se puede poner peor, siempre se puede. Alguien cantaba trova cubana cuando, quién sabe de dónde, apareció él: El Actor, un tipo voluminoso y sudoroso, con los ojos cortados por mil venitas a punto de estallar, quien en vez de decir un simple y amable hola o un casual e indiferente qué onda, se le ocurrió presentarse recitando, con voz de Paco Stanley, alguno de los poemas más finos de su repertorio. Me cuidé de no apretar mi vaso de plástico, pues terminaría buscando un trapeador para limpiar la cerveza del piso. Apenas terminó, los poetas aplaudieron y vitorearon como si hubieran escuchado el mejor discurso de Martin Luther King. No pude más que abrir la boca y esperar que una mosca la invadiera.

Ojalá todo se hubiera quedado a cinco metros de distancia. A las 4 de la mañana, por alguna razón, terminé sentado junto a El Actor. Cuando quise decir buenas noches, El Actor ya me había lanzado la pregunta: “¿Es posible ser poeta y no ser revolucionario?”. Le contesté que yo no era poeta y que la única revolución que me interesaba por el momento era la del Blu-ray. A uno de los presentes se le ocurrió decir que yo había ganado uno de esos premios que llevan nombres de poetas renombradísimos. El Actor, entonces, insistió con su pregunta. Contesté con alguna otra evasiva; simplemente, me daba asquito hablar con él. Me reclamó que me hiciera llamar poeta y no entendiera el concepto de revolución. No le quise decir que lo que menos quiero en la vida es ser poeta, que hubo un tiempo en que escribí y publiqué libros de poemas pero que, finalmente, me había aburrido de versear. Comenzó a hacer su autobiografía de artista atormentado, en la cual incluía una mala relación con su progenitor (para variar, un insigne poeta), alcoholismo, drogas duras, mucha pero mucha inspiración, dos que tres revelaciones o encuentros con musas distintas, un presente familiar convencional que lo volvía loco y un largo lugar común… todo para aterrizar en que en toda su dolorosa existencia sólo tenía una cosa por segura: “no se puede ser poeta sin ser revolucionario”. Yo sólo pude contestarle con una de esas palabras comodín que pueden significar cualquier cosa: “Órale”. Luego me tomó del brazo y me escupió una de esas grandes verdades que suelen soltar los artistas snobs, es decir, aquellos que no desisten en su autocontemplación, absortos de sí mismos, fascinados con su propio ombligo lírico: “Tú ni siquiera habías nacido cuando yo ya estaba haciendo tablas, participando en concursos nacionales de oratoria”. Pude haber contestado con otro bonito “órale” pero no fue necesario, pues El Actor había dado por terminada la conversación o performance o lo hubiera sido aquello.

Cuando comenzó a improvisar un poema misógino donde describía con voz pausada y profunda -poética pues- la violación de una mujer, supe que debía irme a dormir. Afuera amanecía y, mientras caminaba a mi habitación, todavía alcanzaba a escuchar a El Actor recitando a un pequeño grupo de poetas que quisieron quedarse a aplaudirle un rato más.

El Bohemio

Según la RAE: “adj. Se dice de la vida que se aparta de las normas y convenciones sociales, principalmente la atribuida a los artistas”. Así, pocas cosas tan paradójicas como ser bohemio. En su esencia, más que diferencia, hay repetición de teatralidades choteadísimas; ser bohemio, como el kitsch, como el snobismo, es sentirse feliz por estar sintiéndose feliz, es saber que se sabe ser bohemio, y sentirse pleno por ello. Para ser bohemio, todo el tiempo hay que parecerlo y, más aún, mirarse a sí mismo pareciéndose al artista deseado. Si eres fotógrafo, por ejemplo, puedes dedicarte a tomarte fotos tomando fotos con la mano izquierda y sosteniendo un café de Starbucks con la derecha. Si eres escritor, es muy recomendable citar a Hölderlin en alemán para reforzar tus argumentos para llevarte al motel a alguien. Y es que, para el snob y bohemio, ser artista no es un oficio sino una forma de ser las 24 horas del día. Algo así como si en la fiesta de quince años de su hija, un médico vistiera bata blanca y llevara estetoscopio al cuello. La apariencia es principio y final de la existencia del artista bohemio y snob; la mismidad y el convencionalismo son su naturaleza.

Para ser un escritor bohemio y snob, nada mejor que seguir al pie de la letra el Dodecálogo del Escritor Bohemio y Snob:

1. Te tomarás muy en serio este Dodecálogo, tanto como la vida y la literatura.

2. Creerás en las musas sobre todas las cosas. Estarás convencido de que la poesía y los oxímoron se inventaron para descifrar el misterio de la mujer.

3. Defenderás con tu propia vida la idea de que en el arte no hay más proceso que la irremediable expresión del latir de tu corazón. Escribir será sinónimo de escupir o vomitar sentimientos (arte=terapia). Así, respetarás siempre la segunda palabra de los dualismos razón-locura, mente-alma, ciencia-arte, pensamiento-sentimiento, otros-yo.

4. Escribirás poemas que venderás en las calles para comprarte una ballena cuya ingestión te permitirá crear más poemas para vender en la calle…

5. Venderás poemas o libros única y exclusivamente para cubrir las necesidades básicas del artista: beber, fumar y, si eres un wannabe de argentino, tomar mate. Si no alcanza ni para eso, mucho mejor, pues estarás de lleno en el camino de la trascendencia y la inscripción en el canon del arte. Es necesario mantenerse siempre pobre y marginal; la riqueza y la popularidad son indignas del buen artista y son señales inequívocas de su decadencia espiritual y creativa.

6. Nunca de los nuncas ganarás alguna beca o premio. O si lo ganas contra tu voluntad, aprovecharás para rechazarlo públicamente. El reconocimiento de los desconocidos destruye la verdadera inspiración. Bajo este principio, jamás te permitirás pensar en el público. Aunque publiques, hagas lecturas, presentaciones y proyecciones de poesía audiovisual, siempre serán para ti mismo. No necesitas más que de tú y tú y tú y solamente tú.

7. Mucho menos te inscribirás a alguna universidad. En caso de que el sistema te haya obligado a pasar por el tormento enajenante de las aulas, podrás abandonar la universidad para siempre y presumirlo en tu currículo de artista. Nunca te olvidarás de dar crédito de tu genialidad a la Universidad de la Vida.

8. Te resistirás al poder seductor de la imagen, a menos de que se trate de cine francés de festival, pintura abstracta o fotografías en blanco y negro de mujeres desnudas, niños y ancianos indígenas, indigentes discapacitados y payasos tristes.

9. En este mismo sentido, confiarás en la palabra escrita, el libro impreso y las consignas que se gritan en las marchas como las únicas esperanzas de redención intelectual del mundo.

10. Exaltarás todas las expresiones de la cultura popular y la contracultura, especialmente las artesanías de chaquira, la lucha libre (de la cual te extasiará, especialmente, el choque de clases sociales en la arena) y las camisetas del Che Guevara (que te recordarán que detestas todas las formas de dictadura, excepto la de Fidel Castro).

11. Te convencerás de que Santo no es un personaje acartonado, machista, moralista y maniqueo, sino lo mejor que le ha pasado a la cultura popular mexicana. Al mismo tiempo, sabrás que hay de culturas a culturas, y que como adscrito fiel de la alta cultura, puedes apreciar e investigar, mas no producir y practicar la cultura pop, massmediática y mainstream.

12. Finalmente, tirarás a la basura tu televisor, convencido de que el demonio de la ignorancia y la manipulación de las masas indefensas y descerebradas lo habita.

Si cumples al pie de la letra con estos doce mandamientos, envíanos un mail con tu dirección postal para regresarte, a vuelta de correo, tu certificado de Perfecto Artista Snob.

Noche Terciopelo. Richard Hawley en concierto.

2010-03-16T10:53:00.013-06:00

Texto y Fotos de Javier Valenzuela

Difícil ocultar que Richard Hawley (Sheffield, Inglaterra, 1967) es de esos artistas que son solo "para enterados". Esto último a pesar de que su estilo bebe de la emotividad de Roy Orbison, la exuberancia vocal de Sinatra e incluso reminiscencias del más oscuro Johnny Cash. Es decir, clásicos encumbrados. Aunque sin duda los melómanos más avezados reconocerán atisbos de Scott Walker, Hank Williams y los legendarios instrumentales de Jack Nitzsche.

La referencia más frecuente que se suele hacer para este crooner es haber sido guitarrista de PULP. Pero su recorrido no se reduce a la amistad con Jarvis Cocker sino que lo lleva a colaborar en múltiples proyectos como productor y arreglista, pasando por Nancy Sinatra hasta Frank Black de los Pixies por citar algunos. El magistral dominio que tiene de las guitarras le ha facilitado la exploración sonora en muchas direcciones, permitiéndole a su voz quedar envuelta en sonidos que suelen inmovilizar al espectador cuando lo tiene al frente (no se corta en decir que la vida le cambió cuando cogió en sus manos una Les Paul y una Fender). Más allá de su figura vocal el concepto que nos trae en la gira que promociona su último disco “Truelove´s Gutter” (Mute Records, 2009) es distinto a lo que se espera de una actuación en directo. Ello quedó claro en la cita del pasado 16 de febrero en la Sala Bikini de Barcelona con un aforo que superó la capacidad del local y las expectativas de los organizadores.

Desde el principio el espectador en espera de que comience la actuación es sometido a una clase ambiental de rhytm´n blues y rockabilly en versiones originales. El oído comienza a educarse y a viajar en el tiempo. Sin embargo esa distancia temporal se va de bruces al comprobar que la cantidad de guitarras y pedaleras que se plantan sobre el escenario (Hawley ocupa doce solo para él) se asemeja más a un espectáculo de rock progresivo. Su característica guitarra con incrustaciones de nácar -como las que usaban los padres del country- señala que Hawley es de temer y que conoce muy bien el terreno que domina.

Si el espectador está habituado a que el directo se caracterice por el uso y efecto de iluminación pues esta vez será lo contrario ya que el concepto es la oscuridad, tal como lo advierte la portada de su último disco. Desde las sombras emerge y a las sombras regresa. La base de luz es el pequeño foco que ilumina sus partituras con las letras que están en un atril frente a él. Es la constante de una puesta en escena íntima, como si de una cena a la luz de las velas se tratase, solo que en este menú hay nostalgia, desgarro, apoteosis y experticia. Su voz suena desnuda (ocupa un volumen más alto de lo habitual lo que impide que el resto de los instrumentos la cubran) y sin efectos. Literalmente pega sus labios al micrófono y hace retumbar el sitio con su voz grave.

Hawley vive un buen momento como cantante y compositor. No tiene esa necesidad de recurrir a sus greatest hits para complacer a la masa que tiene ante sí. De hecho va más allá: pide silencio para hacerse oír. Así, tal cual. Desde ahí crea la magia, como una pequeña ola que en el mar va creciendo hasta llegar gigante a reventar en los acantilados. La base de su repertorio son versiones de “Truelove´s Gutter” con un tratamiento más duro reservando para la calma del hogar la caricia al oído y para la cita en directo la fuerza y templanza de una interpretación más visceral. Hubo momentos magistrales con “Open Up Your Door” y “For Your Lover Give Sometime”, un guiño al álbum anterior con “Valentine” y así hasta completar doce pistas en una primera parte que tuvo como punto más alto la interpretación de “Soldier On” en la que alguien comentó que era para caer de rodillas. Volvió una segunda y última vez con tres canciones más, entre ellas “Crawfish” del film “King Creole” (1958) interpretada por Elvis Presley. Y como era de esperar la perla de la noche fue “The Ocean” que se reservó para la despedida con un Hawley encorvado y emocionado punteando la guitarra con dedos fuertes y atmósfera eléctrica que completaba el set list de quince canciones que revelan conflictos a reparar y no amores que celebrar.

Bordó su actuación con elegancia sublime a prueba de todo tipo de desafíos. A Hawley las balas no le entran, sino que se derriten antes de llegar a él apenas sale una nota de su garganta. Nada más lejos de los sofisticados y falsos crooners de hoy. Pero he de advertir que para escucharlo hay que darse el tiempo y buscar la calma, más aún con su último disco que es inmaculado de principio a fin, tratándose de una obra donde la madurez, las decepciones y vueltas de la vida se convierten en memorables pistas. Es para sentir envidia, ya que tanto en el disco como en el directo Hawley sale tan victorioso como impoluto. Y yo… vuelvo a casa con la certeza de no haberme equivocado al convertirlo en parte de la banda sonora de mi vida.

ALGUNOS VIDEOS

“Soldier On” en la Sala Bikini, febrero 16, 2010.

http://www.youtube.com/watch?v=4nf4Xs47hzA

“For Your Lover Give Some Time” (video oficial) del álbum “Truelove´s Gutter” (2009)

http://www.youtube.com/watch?v=oG6itlFun5A

“The Ocean” (video oficial) del álbum “Cole´s Corner” (2005)

http://www.youtube.com/watch?v=ynf0ERJVB9I

Lhasa de Sela

2010-01-13T19:29:00.012-06:00

Escuchando nuevamente los discos de Lhasa de Sela, a partir de su reciente fallecimiento, cae sobre mí un torrente de recuerdos que se avivan con la intensidad y claridad que el tiempo da a éstos, que escondidos en lo más profundo del subconsciente esperan el menor incentivo para brotar indiscriminadamente. Así vuelven esos días, esas personas, ese balcón, esos sillones, esas tardes bebiendo cualquier cosa con una Lhasa de fondo que no paraba de cantar, llenándonos de su nostalgia, de su melancolía, de su tristeza, pero también de su alegría y esa voz tan especial que se cuela hasta las mismas entrañas y que nos enseñó que el alma prende fuego cuando deja de amar, ella que llegó por casualidad (así como llegan las mejores cosas) a mis oídos, con sus rimas tan torcidas en un tiempo (ahora lo veo claro) fue parte esencial de mi soundtrack cotidiano; dándole sentido (ahora lo comprendo) a una época en la que parecía que todo tenía sentido, será acaso que Lhasa inyectaba algo de su origen hippie y hacía ver todo bien? Quizá. Hace ya cerca de cuatro años de aquella época, Lhasa falleció apenas iniciado el 2010 y este post es un pequeño homenaje, sólo por el hecho de que Lhasa, para la gente del Snobground siempre tuvo las palabras indicadas para hacernos sentir.

Lhasa, criada por sus padres hippies, arriba de una combi, sin ir a la escuela, sin recibir una formación formal, viajando, viviendo en una comuna hippie, siendo parte de un circo; ya sea cantando en español, inglés o francés se daba el lujo de decir que ya no se canta como se cantaba ayer, y es que pocos como ella con la autoridad para soltar dicha frase. Lhasa se encargó de rescatar y re interpretar el folklor mexicano de una manera excelsa (perdón Lila Downs, Lhasa te supera de calle), mezclándola con folk estadounidense, añadiéndole a sus interpretaciones un sentimiento único y profundo, que sí además a esto le sumábamos su carisma y sobre todo su sonrisa a la hora de verla en vivo, la experiencia resultaba por demás excitante y memorable. Coqueteos con el jazz, bolero, corridos e incluso algo de chanson, convierten la música de Lhasa en un verdadero festín tanto emocional como sensorial.

En el camino quedan tres discos memorables y un concierto de esos que nunca se olvidan; una noche especial en la que todo tenía que salir bien, una ciudad hermosa sirvió de escenario para una de las interpretaciones más hermosas de las que tenga memoria, Lhasa con negro impecable salió al escenario y cantó una tras otra sus canciones, las cuales junto con su sonrisa y belleza, hipnotizaron a más de alguno de los ahí presentes, al final, con la humildad que caracteriza a la grandes personas, Lhasa convivió con aquellos que se acercaban a ella, cerrando una noche única.

Lhasa se ha ido a ese lugar a donde van aquellas personas que han hecho que la existencia de otros sea más intensa, más profunda, más hermosa. Sin embargo, ella misma dijo que se quedaba hasta el final y hasta el final seguirá cantando Lhasa de Sela.

Para escuchar los discos de clic en las portadas

La llorona (1997)

The Living Road (2003)

Lhasa (2009)

CHICANOS PERDIDOS IN DA INDIE ROCK

2010-01-11T12:59:00.019-06:00

Este post es puro chovinismo. Responde a un mero impulso nacionalista de mi parte. Y es que, no se si ya se haya hecho, pero hace falta escribir la historia de los mexicanos en “el otro lado” y su influencia en el rock.

Los tópicos, nunca faltan, Ritchie Valens, el alias para Ricardo Valenzuela, “Padre” del rock chicano y héroe “fundacional” del rock junto con Bo Diddley , Buddy Holly, Little Richard, Bill Haley y Elvis Presley. Su figura roza el status de mártir del rock, y a su coincidente muerte con Buddy Holly se le conoce como “El día que la música murió”.

Si Valens es la gran figura chicana del rock “original”, Santana es la del rock de los sesenta y setenta, de ahí podríamos pasar directamente a Los Lobos en los ochenta para después mencionar a Zacarías de la Rocha (Zack de la Rocha), ex – Rage against the machine y a The Mars Volta, pero seguiríamos sin movernos de “la oficialidad” del rock chicano.

¿Qué pasa con la influencia de los chicanos (o mexicanos) en el rock facturado en el underground? Bueno, pues aquí un brevísimo muestrario de bandas de actualidad integradas por, chicanos, pochos, beaners o más políticamente correctos: México-americanos.

Post Data a manera de interrogación: ¿Qué pasa en España que, con la cantidad de latinoamericanos que hay, estos parecen no formar parte/ o ser ignorados cuando se habla de Indie ibérico?

Post Data Post Mortem: El post esta dedicado a Lhasa de Sela, enorme artista chicana donde las haya, su música y su voz nos transmitía una especie de nostalgia por un mundo que nunca ha existido. Sufrimos su partida. Su talento se merece una próxima nota completa.

Un consejo: hagan click en el nombre del disco.

KID CONGO POWERS

Kid congo nació siendo Brian Tristan y ahora es un dinosaurio. Difícilmente podríamos encontrar a alguien que haya participado, como el, en tantos de los proyectos clave para entender el devenir del rock en los últimos 30 años. Como guitarrista de The Cramps (en la foto) participó en la creación de esa fusión de punk y rockabilly que se denominó psychobilly, fue la mitad de The Gun Club dejando “Sex Beat” como una de las joyas de la era post punk y con Nick Cave and The Bad Seeds grabó “Tender Prey” en 1988, la cima creativa del divo de Melbourne.En la actualidad, Kid Congo lidera a los Pink Monkey Birds, una fantasía de serie b que sería el soundtrack perfecto en una película del Santo y orgasmo psychobilero para todos los amantes de las guitarras que hacen Fuzzzzzzz.

Kid Congo and The Pink Monkey Birds - "Dracula Boots " (2009)

Juan Velazquez y Michael Vidal de ABE VIGODA

Abe Vigoda son una banda de adolescentes formada en Chino, California y lidereada por Juan y Michael (al frente en la foto), dos chicos de ascendencia mexicana. Se dieron a conocer por sus numerosas tocadas en The Smell, el club underground de moda en Los Angeles donde también tocan otros muchos grupos de moda como Health, Mika Miko o No Age. Si, si, si, estoy siendo irónico con lo “de moda”, pero la verdad a Abe Vigoda yo les daría una oportunidad sobre todo si en su web dicen tocar “Tropical Punk Rock”.

Abe Vigoda - "Reviver Ep" (2009)

Michelle Suarez de MIKA MIKO

Ya comentaba lo de The Smell, así que sobra decir que Mika Miko también están de moda. Michelle es la guitarrista (en la foto, de cabello negro) y sus riffs son crispantes, recuerdan a las guitarras de X Ray Spex. Cuando tocan en vivo, el punk rock de estas chicas inevitablemente provoca el slam en la audiencia, aunque esta se componga en su mayoría por catalanes. Eso es mucho decir, se los juro.

Mika Miko - "666" (2007)

Alan Palomo de NEON INDIAN

Alan Palomo es el nombre detrás de Neon Indian, el es mexicano residente en Austin, donde dió a conocer su música. Se trata de un synth pop elaborado a base de cacharrería tecnológica vintage, aunque en vivo toca con banda intentando darle un sonido más rock y orgánico. En el álbum lo que suena es un reciclaje de los viejos sonidos electrónicos de los ochenta. Tirándole más al Italo Disco que a O.M.D. Más hedonista que glaciar.

Neon Indian - "Psychic Charms" (2009)

Víctor Rodríguez Guerrero de CRYSTAL ANTLERS

Al hacer este post me entero que Víctor Rodríguez, a los teclados en Crystal Antlers, ha tenido que abandonar la banda debido a su “irregular” situación migratoria en los Estados Unidos. Si yo fuera alguno de los del resto de la banda, estaría emputado y preocupado ya que la manera de tocar los teclados de Víctor era la base del sonido “acid punk” de esta banda de Los Angeles. Una lástima. Les dejo su primer ep, a mi juicio más crudo e intenso que su álbum “Tentacles” (Touch and Go, 2009).

Crystal Antlers - "Ep" (2008)

HOPE SANDOVAL

Con Hope Sandoval siento que cualquier cosa que diga sería una mentira. Su presencia (aunque sea mental) es imponente. Me limitaré a dar datos fríos ya de sobra conocidos y a dejar que su música hable por si sola. Esperanza Sandoval nació en el East L.A. A mediados de los ochenta formó, junto con Silvia Gómez, el duo Going Home. A finales de esa década se uniría a la mítica banda Opal, fundada por Roback y Kendra Smith. Opal sería el semillero de Mazz Star, grupo al que miles nos acercamos, embelesados, por la voz de la diva de Los Angeles...
Junto con Colm O’ Clossing, miembro de My Bloody Valentine, Hope Sandoval forma The Warm Inventions. Aquí les dejo su último álbum.
Admiren también la última colaboración de la angelina con Massive Attack. Se trata de un video “experimental”, mitad porno (¡están advertidos monaguillos!) mitad clip musical, del que será el primer sencillo del próximo álbum de la banda de Bristol.

Hope Sandoval and The Warm Inventions - "Through the Devil Softly" (2009)

POST DATA

JESUS AND MARY CHAIN Y HOPE SANDOVAL EN VIVO

POST DATA - POST MORTEM

LHASA DE SELA - "Con toda Palabra"

"LA SARDANA SE BAILA CON PENACHO"

2009-12-22T16:31:00.005-06:00

"O la fantástica historia de un catalán, una princesa azteca y una casita en los pirineos"

Le pusieron Juan, como su padre. Quizás el más común de los nombres mestizos, de los más mexicanos, y uno de los más hispanos, sin duda. Eso si, su lugar de nacimiento no es en absoluto común: Toloriu, un diminuto pueblo si somos exagerados, aunque más bien, un caserío perdido en los pirineos catalanes. Un refrán popular se refiere a este lugar, por su presencia siniestra, como un nido de brujas: "Toloriu a on les bruixes hi fan el niu". En ese lugar embrujado, el año de 1536, nació Juan Pedro de Grau y Moctezuma, barón de Toloriu y emperador legítimo de México.

Años antes, y en otro punto del planeta, su padre Don Juan de Grau se embarcaba en una de las empresas únicas y fundamentales en la historia de la humanidad: el sangriento encontronazo entre las civilizaciones americanas y europeas conocido como "La Conquista". Quizás aburrido de la pasividad y hermosa monotonía pirineica, el barón de Toloriu se embarca con Hernán Cortés en la guerra por conquistar el imperio azteca. Apoyados por las decenas de pueblos que permanecían bajo el yugo de la hegemonía mexica, los españoles logran el dominio del antiguo México.

El nada flamante barón, con su título de nobleza equivalente en la actualidad a ser un nuevo rico, conoce en sus andanzas de conquistador a la mismísima hija del emperador Moctezuma, la princesa Xipaguazin y en ella ve su oportunidad para entrar al jet set ibérico. Me lo imagino perfectamente, cogido de la cintura de la princesa, y navegando en una trajinera por un canal de la gran Tenochtitlan. Ahí, soñando con su llegada a tierras catalanas , seguramente fantaseaba con las caras de envidia que pondrían los nobles de su comarca cuando el se apareciera cogido del brazo de su esposa, a la cual presentaría como "la princesa heredera del imperio azteca", ¡Ostia nen! dirían barones, marqueses y príncipes por igual.

Pues dicho y hecho, unos años después, ya con la nobleza ibérica luciendo reinante en la ahora llamada Nueva España, nuestro arribista Barón vuelve a su querido (y aburrido) Toroliu. No viene solo, como había fantaseado, sino acompañado de la ahora llamada María Xipuaguazin de Grau-Moctezuma y con ella, su hermano, príncipe azteca obviamente. Los acompañaban un séquito de esclavos indígenas, los cuales se paseaban calle arriba, calle abajo por la única "avenida" del caserío. En el corazón de la montañas, el séquito real desplegaba, sin mucho éxito público, su complicada ornamentación compuesta de plumas de colores, cuentas de oro, escudos, inciensos. Si Beckett no hubiera patentado aquello del "teatro del absurdo" esta teatralización podría haber sido el performance pionero del género.

Un año después del nacimiento del primogénito Juan Pedro, sin duda el primer mestizo de los pirineos, moriría su madre, la princesa Xipaguazin. En la parroquia del pueblo todavía yace una placa conmemorativa de su muerte, el 10 de Enero de 1537.

Es curioso como en la actualidad, cuando muchos catalanes hablan de "la conquista de América", siempre se refieren a ella como un evento ajeno, en el cual solo participaron "los otros", los archi-enemigos españoles, cuando, tratándose de oro, a los catalanes históricamente no les ha importado mucho el hacer buenas migas con españoles y si no, que le pregunten a ese Tenochtitlan montañes que son las ruinas de piedra del Toloriu...

Por otro lado, también es curioso constatar como cuando se habla de los "pueblos originarios de América" siempre se habla de ellos en términos victimistas y se obvia el hecho de que en México, al igual que en España, había una nobleza altamente jerarquizada, y que hasta cierto punto hubo un especie de "identificación de clase". En mi opinión, no sería descabellado argüir que lo que paso en México fue el cambio de una elite por otra, una española por una azteca, y que en este "acuerdo", a la nobleza amerindia siempre se le respetaron ciertos privilegios y que incluso hubo una relativa fusión de noblezas.

Lo que nunca cambió fue la situación del pueblo indio "raso": esclavos con los aztecas, esclavos con los españoles. Dotar a las antiguas civilizaciones mexicanas de un halo de benevolencia comunistoide no sería más que un efecto de la nostalgia por una especie de "paraíso perdido" , o bien, un mito New Age.

A más de cinco siglos del romance entre Xipuaguazin y Juanito el de los pirineos, se cuentan por miles los descendientes de esta unión que se exhiben como "auténticos" herederos del "Reino de Moctezuma" en España. Para conservar sus privilegios ostentan kilométricos nombres como el de esta señora: María de los Ángeles Fernanda Olivera Beldar Esperón de la Flor Nieto Silva Andrada Moctezuma. ¿Cual es el privilegio de mantener el apellido Moctezuma? para algunos, será tan solo el caché de saberse fantasiosamente pertenecientes a una estirpe imperial, pero, hasta el año 1934 también tenían el privilegio de recibir la llamada "Pensión Moctezuma" que otorgaba el gobierno mexicano a todos los "herederos" de.... México.

Pero si hablamos de rentabilizar el apellido Moctezuma difícilmente alguien podría competir con el príncipe Guillermo III de Grau - Moctezuma también conocido como el Chevalier L. Vidal Pradal de Mir en su faceta de líder de los “Caballeros de la orden de la corona Azteca de Francia”. Durante los psicodélicos sesenta era posible encontrárselo caminando por las calles de Barcelona ofreciendo sus títulos nobiliarios a conocidos y extraños.

Su panadero, el señor Ramón March, fue nombrado "Pastelero de honor de la corona azteca" en el año 1974 y es posible imaginar a Guillermo III en su panadería de la esquina, ungiendo a Don Ramón con la baguette recién comprada en una mano y el cetro azteca en la otra. Unos años después, el ilustre Guillermo III de Grau-Moctezuma sería denunciado por vender títulos nobiliarios falsos, su rastro termina en Andorra, a donde huyó para escabullirse de la justicia española.....

MÁS SABE PETER MURPHY POR VIEJO....

2009-12-22T06:18:00.028-06:00

El ex bauhaus da cátedra en Barcelona
Texto, Fotos y Video por Javier Valenzuela

“Muy de andar en casa” fue el comentario que me hizo un amigo que también fotografiaba a Peter Murphy el pasado martes 27 de octubre en la Sala Bikini de Barcelona. Y es que el gótico decidió vestirse como si se tratara de un día domingo en su casa.

A diferencia de la actuación anterior (en diciembre de 2007) esta vez el personaje no existía. Había un cambio de actitud: más distante, poco comunicativo, como si estuviese cumpliendo al cantar. Y para extrañeza de muchos no vistió como suele hacerlo. Si, extraño…pero no molestó. Sus nuevas canciones, que sonaban mucho más potentes y menos complacientes, no defraudaron y sacudieron el lugar. Diría que la búsqueda de otras formas de música y la necesidad de salir de su habitual repertorio resultó muy obvio.

No dijo nada hasta terminada la tercera canción y recién hacia el último tercio del concierto se entregó con una amplia sonrisa. Se desconcertó con la fervorosa recepción y los arreglos de algunos clásicos exponían abiertamente la influencia de Trent Reznor, como “Strange Kind Of Love” con pesada base electrónica. A eso habría que sumar que desde que vive en Turquía su percepción de la música ha mutado, como también su visión de las personas y la vida, tal como lo explicó para la televisión de Brasil en febrero de este año.

Rompió la estructura del tracklisting y volvió a salir cuatro veces para agradecer al público agregando a última hora “Indigo Eyes”. Lo hizo con rostro feliz, muy distinto al metálico semblante que subió al escenario. Quizás es parte de una nueva búsqueda, del cansancio, de una gira brutal (ver la continuidad de fechas en su página web) o bien es solo el tiempo que pasa su implacable factura. Pese a eso la inclusión de notables covers como “Instant Karma”, de John Lennon, y “Transmission”, de Joy Division, coreadas a toda garganta por las casi 600 personas que llenaron el recinto, permitió darle aire fresco al espectáculo y vigencia indiscutible a su puesta en escena.

Así es amig@s, una noche notable frente a un Murphy más cercano a sus raíces musicales. Con más relajo y menos teatralidad, pero con un sonido atronante que se hace mucho más cercano a un estilo que evoca claramente la puesta en escena de Iggy Pop y a los comienzos de la música post punk. Quizás esta fue la oportunidad para superar la barrera que nos alejaba del hombre y nos anteponía al personaje nocturno.

Peter Murphy - "Ziggy Stardust"

Peter Murphy - "Cuts you up"

Peter Murphy - "Transmission"

METAL PARA EL SIGLO XXI

2009-10-08T16:58:00.071-05:00

PRIMERA PARTE

Siguiendo el criterio de la mayoría de las revistas de tendencias el metal es un genero musical surgido en la edad de piedra y los metaleros, sus seguidores, una especie de cavernícolas que ni avanzan ni retroceden en el tiempo, permaneciendo iguales a sí mismos por la eternidad. Pero se equivocan. Aunque es muy cierto que el metal juega en "otra liga" , alejado de las modas más o menos caprichosas de los dictaminadores de lo cool esto no significa que se trate de un género tradicionalista, aunque parezca lo contrario.

El metal ha cambiado más de lo que creen aquellos que lo han ignorado sistemáticamente. No hay, algo así, como un metal puro. Eso sí, las transformaciones en el metal tienen poco que ver con las transformaciones en el mundo del pop, donde un nuevo género viene acompañado de una nueva marca de ropa, tenis y antro de moda.... los ciclos del metal no son de este mundo.

El siglo XXI nació con un metal endemoniadamente experimental. Si los ochentas vieron levantarse a una bestia que quería dejar de parecer "heavy" para sonar más rápida, cruda, ruidosa y malévola, los metaleros del dos mil han iniciado una nueva transformación en el metal volviéndose más lentos, pastosos y atmosféricos. La vanguardia del metal actual no sube el pitch, sino que pule el sonido, incrementa los decibelios, baja las frecuencias y crea una masa de sonido insano que te trasporta a escenarios de hermosa devastación.

Drone, Sludge y Doom son las palabras mejor asociadas a este "nuevo" sonido metalero que en realidad no hace sino volver a la línea menos desarrollada por los discípulos de BLACK SABBATH, la de la lentitud oscura, martilleante, pero a la vez psicodélica, drogada. A finales de los sesenta los de Ozzy Osbourne crearían la biblia del doom metal, la canción "Black Sabbath", a finales de los ochenta grupos como SAINT VITUS, PENTAGRAM, THE OBSESSED Y SLEEP agarrarían las bases de ese doom para generar riffs atmosféricos, que de tan pastosos serían llamados , de forma poco precisa, o bien sludge metal o bien stoner metal - metal drogado-.

Todo quedo, como suele ocurrir, como carne para los perros del underground hasta que a mediados de los noventa unos tales EARTH ralentizarían estos riffs hasta el absurdo. En sus inicios, sobre todo, sus canciones eran tan lentas, que ya no podía hablarse de que hacían riffs sino que simplemente manipulaban el ruido. Queriéndolo o no, el metal, género barriobajero por excelencia, conectaba con los intereses de las vanguardias musicales más high: el uso del ruido y los silencios como herramienta de experimentación sonora.... y física.

Con el nuevo siglo vendrían otros nombres que, retomando lo hecho por EARTH lo llevarían hacia otros derroteros. Aparecerían, entonces, SUNN O))) que le sumarían repetición, minimalismo y oscuridad para desarrollar el denominado Drone Metal, canciones formadas por capas y capas de riffs que transformaban la energía del metal en un ambient de oscuras atmósferas y voces guturales, estas últimas a cargo de un anciano de la escena: Attila, infame vocalista de MAYHEM, unos de los padres indiscutibles del Black Metal Noruego.

Punto y aparte son los japoneses BORIS, los cuales bien pueden girar con SUNN O))) y mandarte al psiquiátrico a punta de drones taladrando tu cabeza o bien hacer una canción digna de los mejores Black Sabbath para en la siguiente dedicarse a hacer ruido con una caja de ritmos. Estos japoneses son impredecibles y a diferencia de la lógica occidental, no le temen a mezclar lo siniestro con lo kitsch. Vaya, que entre tanta vanguardia uno percibe mucho sarcasmo. Algo así como una solemne parodia. Los teóricos le llamarían intertextualidad.

Pero no todo son drones en el enfermizo mundo del metal del siglo XXI. ISIS, por ejemplo, facturan un metal lleno de subidones que recuerdan al post rock de bandas como MOGWAI. Por otro lado, tenemos a Justin Broaderick, miembro fundador de los esenciales NAPALM DEATH y GODFLESH , mente creativa detrás de la banda de hip hop industrial TECHNO ANIMAL y que en este siglo ha mutado en JESU, one-man-band de ecos metaleros pero que va más allá de los limites del género, haciendo una especie de metal shoegazer con elementos electrónicos.

La sugerente mezcla entre Shoegazer y Metal alcanza unos límites audibles insospechados en la música de NADJA, uno de los favoritos del que escribe. Es difícil de creer que una música tan hiriente, física y espiritualmente, sea creada por tan solo una pareja de chico-chica con pinta de estudiantes de literatura. También hirientes son los ya clásicos NEUROSIS, alejándose progresivamente de sus orígenes hardcoreros y metaleros de corte más o menos clásico, en la actualidad facturan un metal verdaderamente enfermizo ,de fundamento doom pero donde resuenan influencias no tan metaleras como SWANS, la admiración hacia esta banda neoyorquina se hace evidente en su colaboración con JARBOE, unión que dio como fruto un soberbio disco firmado en conjunto en el año 2003.

Juntar la rabia con la malevolía ha sido uno de los más grandes aciertos de la fructífera mezcla entre Metal y Punk-Hardcore. Hace dos décadas, los puristas de uno y otro lado se oponían esgrimiendo tópicos sin sentido: El Hardcore es político, el Metal apolítico. Desde siempre esto ha sido una falsedad, pero el supermercado de las identidades prohibía la unión de los hermanos separados al nacer. Con el nuevo siglo, la fusión de ambas formas de entender la música enérgica ha dado frutos maravillosos como el post-hardcore metalizado y lleno de rabia de BOTCH. Sus alaridos se escucharon tan solo unos cuantos años el iniciar el siglo, pero con eso bastó para coronarlos como los reyes de ese sonido absurdamente etiquetado como mathcore.

Después de BOTCH vendrían otros encargados de devolverle fuerza y complejidad musical a ese hardcore-punk que durante toda una década vivió atrapado por la fórmula del tupa-tupa hardcoreta de pacotilla.... En ocasiones hardcore metalizado, en otras, metal de actitud punki, esta fusión ha dado otros clásicos contemporáneos como THE DILLINGER ESCAPE PLAN y CONVERGE, ejemplos vivientes de brutalidad y radicalismo...

Pero si hablamos de brutalidad, esta tiene nombre y ese es Black Metal. El más satánico de todos los géneros, creador de una leyenda negra que incluye asesinatos y quema de iglesias en Noruega, también estaba cayendo en una mediocridad creativa que no podía ser disfrazada ni recolectando todo el maquillaje blanco, los libros de Alestier Crowley y las cruces invertidas atesorados por cada adolescente escandinavo lleno de granos. Para finales de los noventa el Black era una payasada.... y así hasta la llegada de - para vergüenza de los europeos - unos gringos ecologistas pero, blackmetaleros, que se hacen llamar Wolves in the throne room.

La gracia de WITR ha sido la de tomar la agresividad siniestra del clásico black escandinavo y revitalizarla con paisajes atmósfericos, subidones de post rock, uso del feedback y una lírica que, más que burdamente satánica, hace uso de la maldad como metáfora de las tensiones generadas entre el hombre y la naturaleza.

Y entre tanto post rock, drones, noise y demás... ¿Habrá lugar para el metal de siempre, ese que es el goce los headbangers? Por supuesto. Junto con las distintas fusiones y experimentaciones ocurridas en el metal en lo que va de siglo, también hemos presenciado el resurgir de excelentes agrupaciones que hacen el Death Metal con la brutalidad de siempre (LAIR OF THE MINOTAUR) o El heavy/trash metal clásico de riffs contundentes y que bebe de los setentas y los ochentas (HIGH ON FIRE, MASTODON, BLACK COBRA) .....

MASTODON

Son los mimados por fans y crítica. Mastodon significa para el metal del año 2000 lo que Metallica para el de los ochentas:el puente entre el underground y los estadios. Esperemos que belcebú mantenga a MTV lo suficientemente alejado de Mastodon, para que a estos no les pase lo mismo que a Metallica en los noventas. Por lo pronto, Mastodon han logrado éxito y credibilidad, lo cual no es fácil. Les dejamos su clásico "Leviathan" y el video de la canción "Iron Tusk" del mismo album.

Mastodon - "Leviathan" (relapse, 2004)

HIGH ON FIRE

Matt Pike, vocalista/guitarrista de High on Fire formó parte de los míticos Sleep, creadores de ese doom metal tan particular que fue rebautizado como Stoner Metal. Steve Albini ha trabajado con ellos y no estoy seguro, pero creo que es la primera vez que el mítico productor de Pixies, PJ Harvey y Nirvana ha producido a una banda metalera. Su sonido es metal que bebe enciclopedicamente del rock: De Black Sabbath a Motorhead , pasando por Deep Purple y de AC/DC a Pantera, pasando por Pentagram. Descarguen "Blessed Black Wings" y escuchen la canción que da título a a este album en un concierto del año pasado en Nueva York.

High on Fire - "Blessed Black Wings" (Relapse, 2005)

ISIS

Son renovadores del metal, tanto, que para muchos metaleros ya les suenan demasiado a "rock alternativo". A mi me da igual. Son igualmente increibles. Pueden hacer paradas atmosféricas o piruetas progresivas sin que el conjunto desentone. Para corazones melancólicos y mentes psicodélicas. Bajen y escuchen su última producción "Wavering Radiant".

Isis - "Wavering Radiant" (Ipecac, 2009)

BOTCH

Como un relámpago, cegador y breve, así fue la vida de Botch. Pasaron sin pena ni gloria para la mayoría, pero fueron los principales incitadores de la otra gran revolución en el metal de este siglo: el metal-core. Del metal tomaron virtuosísmo y contundencia, del hardcore rabia y determinación política. El resultado fue excepcional, insuperable en credibilidad y urgencia. Tan solo dejaron dos discos de estudio y eso los hace aún más necesarios, uno percibe en ellos la falta de pretensiones: nunca se plantearon crear “un género”, pero lo hicieron.

Botch - "We are the romans" (Hydra Head, 2000)

BORIS

Son japoneses e iconoclastas. Usan una guitarra/bajo de doble mastil, lo cual es muy cutre, Van de lo más clásico a lo más experimental y ni se sonrojan. También les da igual lo que Bruce Dickinson piense de ellos. Enormes para muchos y farsantes para la peña purista. Se dan el lujo de ilustrar un disco con imagenes satánicas, pintarlo de rosa y titularlo simplemente "Pink" (rosa).... sus amigos de Sunn O))) saben que estos japoneses son más satánicos que Charles Manson. Si sus referencias son my bloody valentine, black sabbath, brian eno, Venom y el pop japonés por igual, quizás no sea el grupo que un metalero deba tomarse en serio ¿o si?. Les dejo su oda al satanismo rosado y un video, a cual más de chingones.

Boris - "Pink" (Southern Lord, 2006)

THE DILLINGER ESCAPE PLAN

Acrobatas. Se han forjado su sonido a través del hardcore, el metal y el jazz. Deudores de la enorme influencia de Mike Patton y sus Faith no More. Sorprenden a cada momento. Igual se ponen a rabiar por el estado de las cosas que rockean felizmente como metaleros de pub. Para muestra, tan solo falta un botón . El album: "Miss Machine", el más directo, clave para entender eso de metal-core.

The Dillinger Escape Plan - "Miss Machine" (Relapse, 2004)

SUNN O)))

La evolución del metal en lo que va del siglo es su ralentización. El doom se ha vuelto pesado y lento, hasta la exasperación. Y Sunn O))) son los que han llevado esta idea más lejos. En el último año, sin dejar de lado su background doom han incorporado elementos de otros lenguajes musicales: música sinfónica y coral, ambient, free jazz, Arvo Pärt...

Sunn O))) - "Monoliths and Dimensions" (Southern Lord, 2009)

NEUROSIS & JARBOE

Neurosis y Swans en algún momento se tocarían y lo hicieron a partir de Jarboe, la ex vocalista y ex mujer de Michael Gira fundador del grupo Neoyorquino. Neurosis son una banda underground provenientes del hardcore paulatinamente metalizados y ralentizados. Jarboe proviene del oscuro pero arty universo de Swans. El resultado de este encuentro no podría ser otro que un mal viaje. Si alguna vez creen estar perdiendo la razón este podría ser el soundtrack.

Neurosis and Jarboe - "Neurosis & Jarboe" (Neurot, 2003)

NADJA

Al final va ser que Canadá no es la feliz y satisfecha de si misma patria del Oso Yogui. Si Nadja hace este desesperanzador doom/shoegazer es por que en el fondo los canadienses se sienten devastados y prefieren que el mundo se acabe ya antes que irse de excursión al bosque a recoger bellotas.

Nadja - "Radiance of Shadows" ( Alien8 , 2007)

El Género Bobo del Chill Out

2009-10-07T14:44:00.013-05:00

Un disco y un EP de reciente producción, ambos de dos artistas españoles; el primero es una de las grandes novedades de los últimos años en la escena independiente española, este su tercer disco viene a consolidar una carrera que a pesar de ser corta pisa firme. El segundo puede ser considerado, ya, un clásico de la música ibérica, un EP que fiel a su costumbre son una especie de apéndice de sus LP's, en este caso El Manifiesto Desastre. Joe Crepúsculo y Nacho Vegas son sin duda referentes obligados de una escena española heterogénea y que en últimas fechas ha incrementado sus producciones en cantidades por demás considerables, muestra de ello son estos dos trabajos que en una primera escuchada pintan bastante bien.

Para bajar los discos dar clic en las imágenes.

Joe Crepúsculo - Chill Out

Nacho Vegas - El Género Bobo

Noche secuencia

2009-09-29T12:13:00.018-05:00

Por: Alva Castellón

Cuesta no imaginar los escenarios como un encuadre de cámara, en el que la luz tenue delinea los instrumentos aún silenciosos, sugerentes de la inminente embestida de sonidos, luces y presencias. Los escenarios son siempre terreno minado, una imagen de entrada estática a punto de explotar. El Lunario no fue la excepción, la pasada noche del 19 de Septiembre, Nacho Vegas irrumpió en escenario mexicano por tercera vez, acompañado de su ahora inseparable Christina Rosenvinge, quien con su habitual desaliño y desenfado, apareció a cuadro para figurar como solista en la secuencia telón del concierto. Afianzada frente al blanco y negro del teclado, la melodía de Animales Vertebrados rompió el silencio; y así, leve y cadenciosa como su voz, ejecutó un breve viaje a guitarra también por Tu labio superior; coqueteando, además, con lo que llamó “su pequeña canción mexicana”, conocida por todos los demás como Muertos o algo mejor. En medio de un fade in, Christina salió del escenario; los demás, nosotros, mientras tanto, tomábamos aire, tomábamos el tiempo fuera con ansiedad y tomábamos no con mucha calma la imposible fila por una cerveza. Y la oscuridad se hizo de nuevo, y trajo consigo un plano general en el que Nacho Vegas ocupaba su lugar al centro del encuadre.

Imaginario encuadre de un escenario que se impregnó de La plaza de la Soledad; y de los vértices angulares de aquella imagen, un ambiente estepario susurró al oído. Como golpes a veces virulentos, a veces enamorados, la ingrávida agonía de Nacho Vegas, el melódico sarcasmo de tristeza que cae en su frente, como sus cabellos. De Cajas de música difíciles de parar, el primerísimo plano de un Gang Bang; de El tiempo de las cerezas, los guiños a su primer encuentro con el público mexicano y un tiempo que comenzaba a llover acompañado de Rosenvinge; Crujiendo el Manifiesto Desastre se coreaba en medio de aplausos; y el maravilloso Desaparezca Aquí, con el control perdido y las confusiones ajenas; llevaron al acto inexplicable de un Ángel Simón que pisaba la última mina dispuesta sobre el escenario, haciendo explotar un plano final, uno con profundidad de campo.

Desde ese cierre de secuencia, se dejaba ver un Abraham Boba que iba del acordeón al reino de su piano; aún detrás, era inevitable no verle y no desear que un buen día aparezca con sus propias minas. Una larga noche maravillosa, un Nacho Vegas espléndido y generoso que regresaba cuando jugaba a no volver jamás. Y, al final, sólo a capricho, la pena de no haber sido un Turista Feliz.

Copyright vs Copyleft

2009-09-28T10:42:00.005-05:00

¿Qué pasa cuándo un artista totalmente desconocido, gracias a la ayuda de la Internet y el intercambio de archivos se convierte en un verdadero fenómeno de la industria musical? Pues hay dos opciones: La primera, es que continúes siendo tal y como eras antes y sigas apostando por el intercambio de música como una forma de marketing y distribución alternativa a una industria discográfica cada vez más obsoleta y ambiciosa. La otra opción es que te dejes envolver por las mieles del éxito, pierdas el piso y de repente salgas a decir que estás en contra de la piratería y el intercambio de archivos por Internet; tal es el caso de Lilly Allen, quien pasó del total anonimato a la cima de las listas de ventas en cuestión de gb/s. Sin embargo, a últimas fechas Allen ha dado de que hablar más por sus declaraciones que por su propia música; hace algunas semanas anunciaba un nuevo blog en el cual mostraba su postura rechazando la piratería y el intercambio de música por Internet, además de pedir el apoyo de otros artistas.

Las reacciones no se hicieron esperar y las críticas llegaron, dentro de estas surge la de un músico llamado Dan Bull escribió una carta dirigida a Lilly bastante ingeniosa y contundente, haciéndole ver a la propia Allen lo limitado de su argumentación.

Hoy en día el blog de Lilly Allen no existe, sin embargo éste es una muestra de que a diez años de haber empezado la lucha entre las majors y aquellos que descargamos música sigue, pero los argumentos de las trasnacionales siguen siendo los mismos, no han podido entender o dar el salto en la comprensión del cambio de ideas que con la Internet se han gestado.

Les dejo el video de la carta de Dan Bull a Lilly Allen.

TETRIS DANCE: THE ROGUE ELEMENT

2009-09-25T10:57:00.007-05:00

Con una total despreocupación por los géneros, Ben Medcalf aka The Rogue Element es una de las pocas esperanzas que tiene la electrónica de clubs de salir de su atolladero nu-raver. No es que sea algo nuevo pero si muy atinado y con un supremo valemadrismo por los géneros. Igual sobre una base de synthes friísimos te mete unas voces a la salt n' pepa para después ponerte a rebotar sin piedad con su matraca electro, así nomás, por que le sale de los cojones.

THE ROGUE ELEMENT - "LUMINA" (exceptional, 2009)

megaupload

ULTIMAS ADQUISICIONES SNOBS

2009-09-23T06:32:00.016-05:00

COLD CAVE - "LOVE COMES CLOSE"

No se por que en algunos blogs insisten en llamarlos 'neo-góticos'. Quizás sea por la voz cavernosa, que no les suena a grupo indie.... En todo caso son muy ochenteros, como una mezcla entre italo disco y OMD año 1981. Unos Cabronazos.

mediafire

GIRLS - "ALBUM"

Para indies, estos, en el sentido más tradicional del termino: poperos, grabaciones lo-fi de cinco pesos, amor por los sesentas y el ruidismo del sello pionero postcard.

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DEATH - "FOR THE WHOLE WORLD TO SEE" (1973) (Drag City: 2009)

Más que reedición, una recuperación de una joya desconocida , al menos para mi, de la que parece ser la banda más inovadora de la escena pre-punk de Detroit. Ahora ya sabemos que si no hubieran existido The Stooges el punk siempre habría tenido a Death...

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THE XX - "XX"

XX consiguen, con un par de acordes de guitarra, uno de los albumes con el inicio más emocionante de este año. El resto del disco: lo mejor de los Yo la Tengo más pop y lo menos rebuscado de las bandas del sello Thrill Jockey. Música cristalina sin coartada intelectualoide.

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LINDA MIRADA - "CHINA ES OTRA CULTURA"

Por que no somos tan snobs. Electro pop adolescente para todos y todas. Canciones sobre bailar con gente y sentirse solo, baladas sobre el descubrimiento del sexo y el alcohol, parece un producto inocente pero no lo es tanto.

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DELOREAN - "AYRTON SENNA E.P."

Mi grupo de dance-punk español favorito, vasco pues, por si alguién se ofende, sacan su producción más negra hasta la fecha: más funk, house y disco que eso que hoy llaman post-punk. Delicioso.

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A PLACE TO BURY STRANGERS - "EXPLODING HEAD"

Uno de los más eficaces continuadores del sonido shoegazer. Me he cansado de buscarlo en los blogs, lo cuelgan y lo bajan, lo cuelgan y lo bajan, por eso aquí está, hasta ver quién se cansa primero. Músicalmente no hay novedad, todo nos suena a Jesus and Mary Chain, My Bloody Valentine y The Telescopes, pero a quien mierdas le importa!!

mediafire

Oda al walkman

2009-07-02T10:23:00.006-05:00

Hoy en día es común ver por la calle, el transporte público o cualquier lugar dónde exista cierta concentración de gente, personas que pasean absortas con un par de artefactos incrustados en cada oído; los cuales inmediatamente reconocemos como audífonos por los cuales sale cualquier sonido que el dueño de éstos desee, un cable blanco se ha vuelto la constante, en estas personas que llevan la música consigo, dicho cable es el símbolo inequívoco del reproductor más famoso de estos tiempos, el Ipod.

Sin embargo, fue hace treinta años que el origen de los reproductores portátiles se dio cuando Sony lanzó al mercado uno de los gadgets más importantes de la historia. El TPS-L2 fue el primero de una larga lista de modelos de walkman, con los cuales la experiencia de escuchar música grabada jamás volvió a ser igual, porque como señala George Yúdice, dicha experiencia se convirtió en personal y a la vez pública, ya que el walkman permitió por primera vez transportar la música con uno mismo, ya no era necesario estar en cierto lugar para poder reproducir los enormes LP's; a partir del walkman podemos transportarnos mientras escuchamos la selección musical de nuestro agrado, sin que por ello las personas a nuestro alrededor se enteren de lo que escuchamos.

Podrá parecer cosa menor el aporte del walkman hoy en día que estamos más que acostumbrados a reproductores mp3, teléfonos celulares y demás aparatos que nos permiten reproducir música; pero pensemos esto hace treinta años y tal vez podamos comprender lo extraño que sería ver a alguien ensimismado en medio de una muchedumbre; y es que la portabilidad que permitió el walkman trajo que uno ahora puede decidir lo que escucha mientras transita por la ciudad, ya sea el tráfico, las platicas de otras personas o seleccionar un soundtrack para cada trayecto.

A treinta años del nacimiento de aquel aparato las cosas parecen un tanto distintas; la llamada revolución digital y la nanotecnología, parecen haber convertido a los walkman obsoletos, ante los reproductores mp3, a los cuales ya no es necesario introducirles cualquier otro objeto (cassette o cd) para poder reproducir la música y al mismo tiempo los reproductores portátiles ya no se limitan a ser sólo portátiles sino que ahora también son cada vez más pequeños y menos "estorbosos". Pero a pesar de eso, el pionero, y símbolo distintivo de la década de los ochenta, es sin duda el walkman, aquel que permitió que por primera vez caminaramos al ritmo de la música.

Manifiesto romántico parte 2

2009-06-15T05:55:00.009-05:00

Por Diyei Broquen - Plancha Proyect-

"Para Nathalie a quien de seguro le hubiera encantado este post"

En una de estas charlas de borrachos latinoamericanos alguien dijo que lo que más le gustaba de la música de Colombia era el vallenato, yo me sentí muy orgullosa, por supuesto, pero luego vino la frase: “Ay, es que me encanta Calos Vives” y ahí el orgullo se transformó en furia. Tras exponer algunos detalles acerca de lo que verdaderamente es el vallenato, me di cuenta que lo que se conoce a nivel comercial en el exterior es lo más puerco, así que en este post me propongo dar a conocer algunas ideas que espero motiven a los lectores a, por lo menos, echar una ojeada a los videos y artistas que constituyen lo que para el colombiano es una parte importante de su cultura

¿QUE ES EL VALLENATO?

El vallenato es uno de los ritmos musicales de la costa norte de Colombia que tiene una historia que se remonta incluso (según algunos historiadores) a tiempos de la Colonia, es un ritmo de las clases populares, de los trabajadores que después de su jornada se sentaban a cantar en sus versos sus penas y sus alegrías, relatando anécdotas personales, sus viajes o expresando su amor inmenso por alguna mujer.

Un hecho importante de esa historia es la llegada del acordeón a la costa norte (específicamente por La Guajira) en las transacciones comerciales, este instrumento se convirtió en el epicentro de esta música aunque muchas de las composiciones anteriores eran interpretadas con guitarra. En un conjunto vallenato básico al acordeón (de origen europeo) le acompañan la guacharaca (de origen indígena) y la caja (de origen africano) sintetizan nuestra esencia mestiza.

El escenario del conjunto vallenato a finales del siglo XIX presenta músicos que aprendían a tocar el acordeón en sus ratos libres a puro oído, que componían y cantaban ellos mismos sus canciones las cuales se iban haciendo conocidas entre las personas de la región, y que eran sometidas al arbitrio público en “las piquerias”, encuentros entre músicos de diferentes lugares que viajaban durante días para acudir a los duelos concertados de antemano o a través de recados. La piquería era el evento social para cantar y escuchar vallenatos, fue la excusa donde nació la parranda: una reunión que gira en torno a sentarse a comer y beber mientras se escucha la música.

En estos eventos sociales además de escuchar las canciones se contaban los chismes e historias detrás de dichas composiciones, los códigos que permiten descifrar las metáforas y mensajes en clave de los que está lleno el vallenato.

Además de las parrandas influyeron en la salida del vallenato de su escenario muy local dos hechos: los desplazamientos de trabajadores hacia los cultivos de banano de las transnacionales en la época de su bonanza y hacia las plantaciones de algodón y luego la migración “cultural” de índole elitista que llevó el vallenato desde las calurosas sábanas de Córdoba y César a los fríos salones de las fiestas de la alcurnia bogotana, esto ocurrió en la década de los años cincuenta cuando un grupo de jóvenes vallenatos (de la ciudad de Valledupar) de las familias ricas viajó a estudiar a la capital. Aquí comienza la historia de la Leyenda Vallenata construida.

LA LEYENDA VALLENATA

Francisco "El Hombre", cuyo verdadero nombre era Francisco Moscote, era un “mensajero” que hacía la ruta entre los pueblos de las sabanas del Cesar y La Guajira a lomo de burro, llevando las noticias y recados al pueblo donde llegaba, que le entregaban en el pueblo que acababa de visitar. En el centro del pueblo comenzaba a tocar su acordeón y a cantar las noticias y las “razones” que le interesaban a la gente que al escuchar las notas del acordeón de Moscote, salían corriendo a la plaza. En una de su corredurías, Francisco Moscote se encontró en el camino con el mismísimo Diablo, quien lo retó a tocar el acordeón en una piquería, a ver cuál de los dos lo hacía mejor, la leyenda dice que Moscote le ganó al Diablo interpretando el “Credo” al revés, y como la contienda fue debajo de una palmera, ésta quedó chamuscada cuando el Diablo se fue vencido y mal geniado.

De esta historia maravillosa, que se supone ocurrió en los albores del siglo XX y que sintetiza el episodio que se convertiría, con el correr de los años, en el soporte mitológico de la música Vallenata, se han dicho tantas cosas, como que se la inventaron García Márquez y Alfonso López Michelsen (ex-presidente de Colombia). Lo cierto es que tiene esos tintes del “realismo mágico” que a tantos molestan y que Francisco el Hombre aparece en el relato de Cien años de soledad, como “un anciano trotamundos de casi 200 años que pasaba con frecuencia por Macondo divulgando las canciones compuestas por él mismo y relatando con detalles minuciosos las noticias ocurridas en los pueblos de su itinerario”. Este relato moviliza entre las élites el vallenato y consolida en parte la apoderamiento que de él hacen un conjunto de “intelectuales” costeños y que termina en la creación en 1968 del Festival de la Leyenda Vallenata, un evento que buscaba “hacer algo para que todo ese acervo cultural y musical no desapareciera en las nebulosas del tiempo”, un evento cuestionado impregnado de toda las marrullerías de los políticos costeños que es sin embargo la plataforma de los músicos vallenatos (de todas las edades) año tras año y que muestra que igual con o sin el Festival el vallenato es del pueblo ya no sólo costeño, es del pueblo colombiano, un ritmo con una vida tan larga y vigorosa, que ha sido capaz de evolucionar de manera impresionante y que no es para nada “patrimonio cultural” agonizante que deba ser defendido o protegido, el vallenato en su rica existencia ha demostrado que se sabe cuidar solito.

AHORA SÍ A LA MÚSICA...

Hasta ahora no he hecho más que cortar, pegar, mezclar y enlazar comentarios de blogs de la historia del vallenato con mitos urbanos y cosas que se dicen por ahí, así que me he movido muy fuera de mis terrenos, lo mío es la música que llega al alma. Ya en un post previo había planteado la premisa de la esencia romántica del pueblo colombiano, ahora quiero demostrar que esa esencia no tiene ritmo y que no sólo la música “plancha” de la que hablé antes, representa lo romántico para nosotros. Las letras de la canción vallenata están impregnadas de historias de amor, algunas expresas, simples y otras más complejas plenas de metáforas espléndidas y mensajes que se “esconden” pero que siempre tienen un destinatario. Uno de los elementos más importantes de los temas vallenatos es la dedicación, todo tema va dedicado a alguien:

“y con el alma para Katherine Paternina y el futuro Rafael Kaleth”
“Para el doctor Julio Cesar Betancourt y su querido padre en San Juan”
“En la ciudad bonita Jorge Poveda un amigo de verdad”
“Con cariño para mi compadre Santi y la niña Beatriz en villa Lorena”
“Pompilio y Diana un amor eterno”

quiénes son todos estos? nadie lo sabe, pero de lo que no le queda duda a ningún colombiano es que el amor de Pompilio y Diana es eterno y que cuando se canta una canción vallenata se canta completa incluidas las dedicaciones de sus compositores a sus amadas, hijos, amigos, patrocinadores, autoridades del orden civil, militar y eclesiástico, etc.

Lo explícito de la dedicatoria comparte un escenario con lo prohibido, compositores que iban por ahí de pueblo en pueblo enamorándose de mujeres casadas, mujeres con novio, y por qué no hombres casados y hombres con novio en amores imposibles que igual tenían que ser cantados como expresa de manera magistral uno de los grandes clásicos de todos los tiempos, la canción que todos tienen a quien dedicar porque el concepto de monogamía (y más en nuestro país y más en la Costa Atlántica) no es más que un artefacto. Otto Serge y Rafael Ricardo se encargan en cada fiesta del pueblo colombiano de sacar de lo profundo del alma un recuerdo al cantar “Señora”:

http://www.youtube.com/watch?v=-RfX8hArftc

Un verso bien sutil y dirigido
delicado y sensitivo
quisiera componer
yo le ruego mi señora que comprenda
que no se si usted se ofenda pero es mi declaración.
Comprenda que el amor no tiene redes
no hay nada que lo pueda detener
y si usted es la mujer que me conmueve
respecto al dueño que tiene pero se lo digo a usted.
Pa´ cantar entonces una canción
y que en plena reunión usted me este entendiendo
y el mensaje que allí mande yo se quede entre los dos,
que mil estén oyendo pa´ no herir susceptibilidad
si ante la sociedad usted tiene su dueño
y sabiendo que me entiende
ya la cordura guardar hasta cuando sea bueno
y cuando la quiera saludar uso una clave que los dos sabemos
con su segundo nombre puedo hacerlo
quizás diciendo el color de su pelo
no importa que muchas puedan tenerlo
pa´ que se rían cuando usted se este riendo
y si es caso de acuerdo nos ponemos
… Y si yo la quiero saludar digo su nombre y menciono otro pueblo
o en una fiesta que nos encontremos entono la canción que ya sabemos …

El amor es el tema alrededor del que gira el vallenato, en todos sus matices, en todas las escalas.

El amor cambia de estado en el vallenato, de nube se convierte en tormenta, luego se vuelve aguacero, para terminar corriendo con un arroyuelo que crece hasta ser el río que se desborda y terminar en el mar sereno que se evapora y ser nube que se detiene porque después de un vendaval viene la calma (Resumen de la letra de la creciente uno de los himnos de la República de Colombia

http://www.youtube.com/watch?v=a4zhfiryo_o)

El vallenato es romántico, no hay nada más rico que bailar bien pegado mientras se le canta al oído de quien uno ama, con la palabra justa que uno piensa que escribió alguien que en algún momento se estaba sintiendo igual que uno. Y así uno no tenga idea dónde queda el río Tocaimo, la Junta, el Plan o esos lugares geográficos de la costa norte que muchos cachacos (como nos dicen los costeños a los del interior) no tenemos el placer de conocer, todos tenemos nuestra Matilde Lina o nuestra Alicia adorada.

http://www.youtube.com/watch?v=VjFxCZ2nUXw

El vallenato es banda sonora de nuestro pueblo, en nuestra cultura general están los nombres de los grandes maestros, de los grandes interpretes, de los grandes acordeonistas, de los grandes temas ya sean del vallenato tradicional, de los clásicos de los ochenta o de los éxitos de La Nueva Generación y van mucho más allá del nombre del abominable Sr. Vives. Los grandes solistas como Alfredo Gutiérrez, Diomedes Díaz (y su acordeonero Juancho “el conejo” Rois) o Jorge Celedón comparten el cariño del pueblo colombiano con las agrupaciones de los Betos, los Hermanos Zuleta, los Diablitos y el inmortal binomio de Oro de Rafael Orozco e Israel Romero (el pollo Isrra). La belleza y alegría de este género se extiende más allá de las esferas terrenales y se traslada al mismo cielo del vallenato (que queda ahí cerquita del cielo planchero obviamente) donde los mártires como el gran Rafael Orozco, el John Lennon del vallenato, asesinado a los 38 años de 9 disparos el día de la fiesta de fin de semestre universitario de su hija Kelly Johanna; Kaleth Morales el más grande de los jóvenes, fallecido en un accidente automovilístico a los 21 años y la diva Patricia Teheran (porque en el vallenato, sobretodo en los últimos tiempos también hay un espacio para las interpretes, las acordeonistas y las bandas de mujeres), hacen las delicias en las parrandas del cielo donde dios baila amacizado con San Pedro.

Una pequeña selección para ampliar el espectro sonoro y escuchar a algunos de los nombres mencionados en este texto

http://www.youtube.com/watch?v=0t3gZxARZMk&feature=channel
http://www.youtube.com/watch?v=ZK5vbL2V6-0&feature=fvw
http://www.youtube.com/watch?v=5L9itEadUCE&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=wcBNfgMJPLU&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=iTsKMMfA73Y
http://www.youtube.com/watch?v=SOTNPXbn2LY&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=a4zhfiryo_o
http://www.youtube.com/watch?v=rTZKX_DVO8o

ANTONIO VEGA: HACIENDO MARKETING CON LOS MUERTOS

2009-06-01T16:55:00.005-05:00

El pasado 12 de Mayo murió Antonio Vega, compositor y letrista español ex miembro de la agrupación Nacha Pop. Banda fundamental del rock pop de los ochentas en España, y que también en México, por aquellos años, causó un especial furor. Después de una larga historia de complicaciones de salud debido a su conocida adicción a la heroína, el cantautor murió por un cáncer de pulmón en su Madrid natal. Coincidiendo con nuestra apología de los ochentas, les comparto la editorial, que al respecto, apareció en el número de Junio de la revista rockdelux y que es firmada por Santi Carrillo.
Con su típico estilo crítico, ácido y si se quiere, quejón, el que también funge como director de la revista despotrica en contra de la industria musical debido a que, una vez más, demuestran su falta de escrúpulos al lucrar con un personaje al cual, sobre todo en el país ibérico, se le tiene un especial cariño ya que, con sus letras, insufló una elegancia e intimismo inéditos en un grupo pop de masas como fue Nacha Pop.
Al final, agrego un videito con una canción que especialmente me gusta de Nacha Pop y no....no es ni Chica de Ayer, Lucha de Gigantes o Asustado estoy (¡que me encanta!) por que ya las programan mucho últimamente..... Es la poco conocida, pero genial, “Relojes en la oscuridad”....

“EDIT. MUERTO Y NO ENTERRADO
Del mismo modo que las serpientes de cascabel, perversas ellas, deciden caprichosamente si inyectan veneno o no lo inyectan cuando muerden a sus víctimas, los aparatos mayestáticos de las multinacionales discográficas deciden si ser todavía peores de lo que ya son habitualmente cuando muere uno de sus artistas, es decir, sus empleados.
Con el cadáver todavía caliente de Antonio Vega, su compañía lanza el clarividente mensaje de que edita un disco recopilatorio del finado, todavía no enterrado. Hablo de que Antonio muere el martes y el disco, rotulado “Canciones 1980-2009”, está en las calles ese mismo Viernes. Y no, por supuesto, no se trata de la eficacia (poco probable) de las multis, sino de la bien estudiada tropelía de tenerlo todo en capilla, todavía en capilla, en la caja, y buitrear a conciencia sobre una posibilidad que, ni caída del cielo, permite hacer ídem, caja, en tiempos de crisis, Ñam, Ñam...
Las crónicas de las muertes anunciadas tienen estas cosas. Da tiempo a prever estrategias de mercado y tenerlo todo a punto de caramelo cuando el receso letal abre un mundo de posibilidades a los hábiles sin escrúpulos. Cuando fallezca, todo el mundo hablará de Vega en tiempo real: inversión cero en publicidad, máxima rentabilidad en beneficios. No dejemos que la crisis acabe con nosotros, hay que aferrarse a lo que sea.
Órdenes: todo preparado para cuando llegue el más que cantado desenlace y rapidito a las tiendas, que hay que aprovechar el mediático momento de efervescencia post-mortem.
Estoy viendo el Telediario 2, y hay colas en la sede de la SGAE (Sociedad General de Autores de España) para despedirse del músico. La SGAE, obsesionada con su sagrada misión, otorgada por ella misma, de convertirse en Ministerio de Cultura en la sombra, predica ya también como Iglesia Rockera de Los Últimos Días. Ha cedido unas guitarras a los afligidos y nostálgicos fans para que puedan despedirse de Antonio interpretando una canción. Viva el detallismo de la SGAE, siempre tan correcta con sus gestos, especialmente en la acelerada gestión del cobro en conciertos benéficos, como es bien sabido por todos....
¿Por qué la SGAE se ha convertido en una presencia constante en nuestras vidas aunque no queramos saber nada de ella? ¿También en esta sentimentalización barata de un acto que no pasa de oficioso y se vende con funciones de oficialista? No sé, al margen de que quizás sea un buen servicio a la causa musical despedirse de Antonio Vega ofreciendo su reluciente sede para arroparlo simbólicamente en su adiós (esto, conste, lo digo en serio pero con dudas), ¿quién ha permitido a la SGAE llegar a este extremo de dominio público tan absoluto, a marcar el calendario de nuestras agendas y nuestros humores? Antonio Vega, descansa por fin en paz... Los demás, a la tumba. Santi Carrillo”

DESCARADA APOLOGIA DE LOS OCHENTAS: 5 EP`S DE MY BLOODY VALENTINE.

2009-05-30T11:21:00.016-05:00

Casos como el de los irlandeses son extrañísimos en la mundo del pop. Tradicionalmente nos encontramos con, como mínimo, dos grandes ámbitos musicales, “normalmente” radicalmente separados: el de la música popular y el de la música académica ,dedicado principalmente a la investigación sonora y compositiva. A pesar de que es un error, al menos desde el punto de vista histórico, el creer que lo popular (o pop) y lo académico han estado siempre separados (pensemos que mucho de lo que ahora se considera música “clásica” en su tiempo fue folklore), desde un punto de vista formal y estructural si que conforman ámbitos de producción y consumo distintos. Un gran excepción a esto es el grupo liderado por Kevin Shields.

Ya muchos enterados han hablado de lo que ha significado para el pop las innovaciones técnicas introducidas o ampliadas por el grupo de Kevin, Bilinda, Debbie y Colm. No pienso repetir una sarta de tecnicismos que ni siquiera estoy capacitado para entender. Para eso hay otras fuentes. A grandes rasgos se puede decir que el rock de los “my bloody” se caracteriza por un uso de melodías de aliento clásico, fuertemente influenciadas por el pop de los sesentas vía Phil Spector, que colisionan con una base rítmica a veces muy punk, a veces muy a la velvet...

Pero con la diferencia (y es una gran diferencia) de, literalmente “sumergir” todo eso en un magma sonoro que es ruidoso pero ambient a la vez, que es intenso pero cálido, que armoniza pero desorienta..... muchos le han echado la culpa a los pedales. De un sobrehumano uso de pedales a este sonido se le bautizo “shoegazer”, en el caso particular de My Bloody Valentine, Kevin Shields, ha dicho que en el noventa por ciento de los casos su guitarra va directamente conectada a un amplificador y que el secreto son pequeñas variaciones técnicas en el uso del trémolo, de la afinación, del uso del feedback y la ecualización..... para los interesados hay muchos foros en Internet al respecto....

Lo importante, como siempre, es lo que uno siente con la música. Yo tan solo puedo decirles que estos dublinenses en vivo logran que el ruido sea tal que se siente el efecto contrario: una privación sensorial, la muerte de todo sonido. Y esta experiencia no tiene nada de intelectual, es totalmente física, quizás mental, en tanto la mente es solo un zumbido, aire.

Les dejo cinco de sus ep’s de los ochentas, uno de ellos, el album “Ecstasy and Wine” es una compilación de dos ep’s de 1987 - "Strawberry Wine" y "Ecstasy"-, para que no se sientan timados. Para descargarlos tan solo hagan click en el título del album. Que los disfruten.

“The New Record” (1986)

“Ecstasy and Wine” (1987/1989)

“You made me realise” (1988)

“Feed me with your kiss” (1988)

DESCARADA APOLOGIA DE LOS OCHENTAS. LOS DISCOS DE UNA DÉCADA.

2009-05-30T09:55:00.010-05:00

Entre el capricho y la necesidad. Los ochentas vuelven y no siempre de la mejor manera. Por un lado, el prejuicio causado por el desconocimiento de esta década hace que cualquier epíteto que lleve la palabra “ochentero” provoque la devolución del contenido estomacal de algunos al pensar exclusivamente en Bryan Adams, Bonnie Tyler o Richard Marx. O en otros casos, es tanta la fascinación por el carmín, el polyester, las gafas de espejo, el electro y las líneas interminables de cocaína que “los ochentas” se convierten en sinónimo de desparpajo, excesos y frivolidad, lo cual es también un reduccionismo.

En realidad, es difícil categorizar de una sola manera a una década que se caracterizó por ser sumamente contradictoria. En el ámbito político reinaba la derecha decimonónica de los “Reaganomics” y la mano de hierro Tatcheriana pero también las contraculturas se radicalizaban representando espectaculares batallas campales en todas las urbes. En Centro y Sudamérica sendas guerrillas seguían resistiendo el acoso o se formaban nuevas queriendo acabar de alguna forma con la miseria (no siempre logrando sus objetivos).

El influjo del temor atómico a la tercera guerra mundial asediaba a los ciudadanos a través de los medios. La imagen del cyborg se posicionaba como una metáfora de alcances místicos sobre la lucha y encuentro entre El Hombre y La Máquina. En el panorama global se imponían las devaluaciones, las inflaciones y el desempleo crónico. La utopía sesentera – setentera había muerto, dejando tan solo un rastro de hedonismo que conducía no ya a una comuna de ideales igualitarios, sino al placer, fulgurante y efímero, escondido tras una brillante y sensual falda de poliestireno negra. Claro, siempre y cuando usaras condón para protegerte del SIDA. La era del bondage y el sado-masoquismo fue también la del nacimiento de la pandemia de la carne.

Quizás por eso las expresiones artísticas florecieron y la estetización del mundo fue total: Había que colorear el grisáceo paisaje de la humanidad. Se expande el graffiti y el arte urbano. El arte se vuelve urbano y callejero, más allá de los límites museísticos impuestos por una elite hay una efervescencia popular que se observa en paredes, ropas, bailes y sonidos. La “obligación” por (re) crearse a cada momento y el querer ser diferentes a todo lo anteriormente intentado forjo el carácter de una década con muy poca capacidad de sentir vergüenza por sí misma. Las mezclas, innovaciones y propuestas eran tan únicas y ensimismadas que ahora pueden llegar a ser sonrojantes. Era un deber el cuestionamiento sistemático de las formas dadas. Nada tenía que parecer natural.

De repente, en los noventas, como si la gente despertara de un viaje narcótico, las personas empiezan a sentir vergüenza por su look ochentero: los peinados, la ropa exagerada, la desfachatez de su música. Había que volver a “las raíces”, a lo “natural”, había que olvidar el riesgo y volver a la tranquilidad de los roles establecidos (las mujeres debían vestir como mujeres, los hombres como hombres y el rock, sonar a rock).

En el ámbito estrictamente musical, el gusto por el tradicionalismo duró media década y a partir de la mitad de los noventa los ochentas han vuelto una y otra vez, en forma de innumerables revivals (post punk, post hardcore, post italo-disco, electro clash, new detroit techno, revival del hip hop oldschool....).... Los ochentas se han vuelto el único revival posible, la única década digna de revisionar pero no de repetir. Por que a todos les gustan las bandas que suenan “como” de los ochentas pero luego, las de los ochentas, son “raras” o “cutres”.

Queriendo dar la contra, mostraré que tal década fue todo menos homogénea en lo musical y que en ella hubo prácticamente de todo. Aunque pocos lo recuerden, en los ochentas gente como Tom Waits se encontraba en su mejor momento, John Zorn trastocaba el jazz a martillazos o Afrika Bambataa inventaba el hip hop sobre bases electro de Kraftwerk.

Pero también refrescar la memoria o incluso, dar a conocer, lo básico: el post punk, el synth pop, el indie, el dream pop, el hardcore, el industrial, el techno de detroit, el mal llamado “world beat” y hasta el pop ochentero que secretamente coreamos los que superamos los veinte.

De ahí la idea de revisitar la mayor cantidad de discos posibles, de preferencia aquellos que son básicos y poco conocidos, procurando que la muestra sea versátil abarcando los distintos estilos, las más disparatadas escenas y los más variopintos discursos musicales de una década caracterizada por poseer una cantidad enorme de recovecos en los cuales perderse.
Seremos exhaustivos, pero en el momento en que empiece a dar güeva le paramos, así que bien pueden ser 20, 30, 50 o 100 los discos presentados. Tampoco busquen un orden de importancia creciente o decreciente. Esto no es una “top list”. Tan solo una muestra de mis gustos. Y sin más, Salud!

NATALIA LAFOURCADE, REPRESENTANTE MEXICANA EN EL FESTIVAL SÓNAR DE BARCELONA.

2009-05-20T14:58:00.004-05:00

La artista pop mexicana Natalia Lafourcade será la única invitada nacional a la próxima edición del “Festival Internacional de Música Avanzada y Arte Multimedia de Barcelona” Sónar. Uno de los festivales de mayor arrastre en Europa y seguramente de los más populares en el mundo en cuanto a música electrónica se refiere. La defeña, en esta ocasión, compartirá escenario con artistas como Orbital, Crystal Castles, Fever Ray, Richie Hawtin, Alva Noto, Animal Collective entre una centena más de propuestas de todo el orbe.

En el snobground estamos intrigados por esta noticia, como salida de un mundo paralelo en el cual los conciertos de EXA F.M. tienen como invitados a Mayhem y Slayer como cabezas de cartel. Como no es de mi interés meter leña al fuego sino recibir sus opiniones al respecto les hago unas cuantas preguntas, esperando nos dejen algunos comentarios:

¿Será que Lafourcade es la artista “de avanzada” más “de avanzada” del país y no nos habíamos dado cuenta?

¿Será que eso de festival “de avanzada” es un mito que nomás nos creemos nosotros, pobres ciudadanos de países sin orgullo propio que miran a Europa como la maravilla que no es?

¿Será que no hay artistas mexicanos de calidad fuera del circuito mainstream?

¿Por qué lo único mexicano exportable (y exitoso, sin duda) es Julieta Venegas, Maná, Café Tacuba o Lafourcade?

Les dejo, para que vayan pensando sus comentarios, la ficha del Sónar para Natalia y un link con el video del primer sencillo del último álbum de la misma.

Salud!

Humildad Trascendental

2009-05-03T12:04:00.009-05:00

Tarántula regresó. Así es, aunque algunos ya los daban por muertos estos chicos Barceloneces regresan con Humildad Trascendental (Producciones Doradas, 2009), un nuevo LP, que confirma que lo de estos arácnidos va en serio. A la primera escucha del disco, la impresión es la de que no le pide nada a sus predecesor, Esperando a Ramón (Porducciones Doradas, 2007), dándose incluso el lujo de hacer un techno-vals por demás divertido. El título del disco parece no ser en vano, ya que sin la necesidad de una publicidad asfixiante, han lanzado su más reciente trabajo en descarga gratuita, al igual que sus trabajos anteriores, dejando de lado lo políticamente correcto, que las grandes disqueras se aferran en defender, diciéndoles....metete los mitos en el culo, los mitos y las leyendas, en el culo.

Pues bien, inicia mayo y estamos ante uno de los discos que desde hoy podemos asegurar se encontrará entre los mejores de habla hispana de este 2009. Basta con darle play al primer track, para después darnos cuenta de cómo poco a poco hemos sido atrapados por la red de Tarántula. Salud y ¡Larga vida Tarántula! ¡Tarántula!

Para descargar el disco da clic en la portada.

Aquí el video del que parece ser el primer sencillo que simplemente se llama: Con toda la marcha.

Música para la Influenza

2009-05-01T13:25:00.016-05:00

Para estos días de encierro influenzado seis discos que seguro darán de que hablar en este 2009, están recién adquiridos, así que por el momento no hay mucho que decir al respecto; sólo que hay que escucharlos y pues ustedes dirán que les parecen. Para checar los discos da clic en las portadas.

Patrick Wolf - Bachelor (Phantom, 20009)

Jarvis Cocker - Further Complications (Rough Trade, 2009)

Sonic Youth - The Eternal (Matador, 2009)

Datarock - Red (Nettwerk, 2009)

Passion Pit - Manners (Columbia, 2009) [Password: nodata.tv]

Super Furry Animals - Dark days/Light years (Phantom, 2009)

Una de piratas

2009-04-21T11:10:00.007-05:00

Siguiendo con el tema que desde hace dos post nos atañe, ahora les traemos una historia de piratas. Y es que parece ser que la batalla, en la que por un lado se encuentra la empresas, instituciones, firmas de abogados y demás personal en contra del intercambio gratuito de archivos vía internet y por el otro están los cibernautas que creen en dicho intercambio, sin que ello implique algún delito; toma nuevos bríos, y es que los episodios que se han venido dando en los últimos días dan muestra de que la guerra está declarada y apenas comienza.

Apenas el viernes pasado el mega juicio que se libraba en contra de los creadores y administradores de Pirate Bay, tuvo su fin, resultando culpables los cuatro acusados de ayudar “a que los contenidos protegidos por derecho de autor estén disponibles”, dentro de dicho sitio web. El veredicto de un juez sueco incluye la condena de un año de prisión para cada uno de los enjuiciados, además de verse obligados a pagar la cantidad de 3.6 millones de dólares por los daños ocasionados a la industria (sic). Indudablemente las reacciones se dieron en cascada después del fallo de la justicia sueca, por una parte John Kennedy director de la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI, por sus siglas en ingles), celebró el veredicto, aludiendo que la creatividad de las personas se veía protegida con este tipo de resoluciones.

Por su parte, los operadores de Pirate Bay dieron una conferencia de prensa vía Internet y colgaron un desplegado en su blog, en el que a grandes rasgos se pide a los usuarios y simpatizantes del portal no decaer, ante lo que ellos llaman un pequeño tropiezo, además incitan a "que la lucha continúe, colgando más torrents, abriendo blogs, seguir compartiendo archivos, invitar a los amigos a hacerlo y sobre todo a no tenerle miedo a la red. Así mismo, pide no hacer colectas, ni mucho menos dar donativos para pagar, lo que ellos llaman "esa estúpida multa", porque no lo van a hacer y por el contrario, si se quiere demostrar solidaridad piden se compren éstas playeras; también anuncian que el resolutivo será apelado ante la Corte sueca, por lo que el proceso puede durar de 2 a 3 años hasta tener un fallo definitivo.

Sin embargo, el día de ayer, simpatizantes de la bahía pirata de forma conjunta y coordinada atacaron el sitio web de la IFPI mediante el denominado ataque DDoS (si quieres saber que es un ataque DDoS da clic aquí), además de enviar faxes en negro a las oficinas de ésta; todo esto sin que alguien se haya adjudicado dichos ataques, dado que éstos son ilegales. Sumado a esto se reporta que el número de usuarios de Pirate Bay desde el viernes a la fecha se ha incrementado en un 20%. El sitio sigue funcionando con normalidad, dado que los servidores no se encuentran en Suecia.

Por su parte, la página de la IFPI (que en estos momentos se encuentra funcionando perfectamente), hace alarde de la "victoria" conseguida el viernes pasado, dentro de las noticias principales del sitio con el siguiente encabezado "La industria musical sueca e internacional dio la bienvenida hoy al juicio por la corte sueca contra los operadores de Pirate Bay.

Pues bien, habrá que estar al pendiente de lo que suceda en los próximos días, meses y años con el tema. Por mi parte, creo que la medida no soluciona ni solucionará la crisis en la que están metidas las industrias del entretenimiento (discográfica y cinematográfica, principalmente); así como tampoco menguará, mucho menos, erradicará el intercambio de archivos vía Internet; y como sucedió en 2001 con el cierre de Napster, el resultado se revertirá a la industria y sus brazos operadores (IFPI Y RIAA), una muestra lo ocurrido ayer con el servidor de la IFPI, el descontento de los usuarios-consumidores parece ser una bola de nieve en picada, que ellos mismos se han encargado de empujar y que tarde o temprano terminará por aplastarlos.

Termino con una frase de Kusek al respecto del intercambio de música vía Internet: "...Intercambian archivos gratuitamente porque les gusta la música y los artistas, no porque quieran causar daño; sencillamente, no se les ha dado suficientes opciones para que se comporten de otra manera" (Kusek 2007).

Para más información acerca del juicio AliadoDigital

GOOD COPY, BAD COPY ... EL FUTURO DEL COPYRIGHT EN LA ERA DIGITAL

2009-04-10T13:21:00.008-05:00

Tomamos como pretexto el caso MGMT vs. Sarkozy para meternos de lleno en la discusión sobre los derechos de autor.... ¿Quiénes son los creadores y quiénes los usuarios en la era del internet y el sampling?, ¿A quién le pertenece la cultura? Todo esto se encuentra maravillosamente expuesto en el documental "Good Copy, Bad Copy" que con enorme gusto les presentamos en el snobground. El documental está perfectamente subtitulado al español por Creative Commons México, con las actuaciones estelares de Girl Talk, Danger Mouse y varios terroristas audiovisuales Nigerianos.... Preparen sus palomitas en el micro.... ¡Comenzamos!

... Si no se reproduce correctamente aquí está el link del documental en Google video

Incongruencias francesas

2009-02-26T10:56:00.011-06:00

Para nadie resultará nuevo saber que desde hace un año a la fecha, las leyes francesas han apretado la tuerca persiguiendo a las personas que hagan un mal uso de la Internet, sobre todo a aquell@s que descargan música "ilegalmente", ya sea a través de una red P2P, blog's o cualquier otra forma que encuentren para hacerlo. Así el gobierno francés encabezado por Nicolas Sarkozy, se ha dado a la tarea de reformar algunos aspectos legales, para poder ejercer todo el peso de la ley sobre l@s que osen tener acceso a más música que la que su bolsillo les permite. Estas propuestas, inmediatamente causaron revuelo, ya que las sanciones de las cuales un usuario podría hacerse acreedor por infringir lo establecido iban desde ligeras advertencias o incluso la suspensión del servicio de Internet; algunos calificaron esto como un acto de represión, violatorio de los derechos particulares de cada individuo; otros tantos aplaudieron la medida, argumentando que esto defendía los derechos de autor y el debate siguió (sigue) por un buen tiempo.

Pues bien hace un par de días el presidente francés en una fiesta, a la cual acudió toda la plana mayor de la política gala a beber y escuchar un poco de música (no precisamente de la flamante primera dama, Carla Bruni), sonó uno de los hits que nos dejó el pasado 2008, Kids, de la banda que según la crítica especializada fue la revelación del año próximo anterior, MGMT; esto pareciera no ser tan importante, claro, muchas veces nosotros en nuestras fiestas (claro, sin todo el glamur que seguro poseen los políticos franceses; pero eso sí con mucha más diversión que ellos) hemos sonado la misma canción cuando el alcohol comienza a hacer estragos en nosotros y la mencionada melodía parece ser el inicio de una noche bastante larga, y en verdad que parece que no hay mayor incoveniente en ello. Sin embargo, la misma canción fue utilizada de fondo para varios videos políticos por el mismo Sarkozy.

Esto parece haber molestado bastante al equipo de MGMT, sobre todo a su representante legal, quien inmediatamente alzó la voz, diciendo que el presidente galo jamás pidió permiso a la banda para utilizar dicha canción y que estaba violando los derechos intelectuales y demás cosas. Sarkozy salió a decir que haría pago oportuno a la gente de MGMT por hacer uso de su material, pero como si se tratara de un mal chiste, el mandatario ofreció como compensación la cantidad de UN EURO!!!!!!!! cantidad que les pareció ofensiva y rechazaron; procediendo a demandar legalmente al presidente Sarkozy; lo cual resulta un gran revés a esta persecución que desde el gobierno francés han hecho a los cibernautas melómanos.

Sin el afán de hacer leña del árbol caído y despotricar contra el también dirigente de la Unión Europea el año pasado, esto no resulta ser más que un ejemplo contundente de lo absurdo que resultan todo este tipo de leyes, como las impulsadas por el propio Sarkozy, quien cayó en su propia trampa y ahora pretende salir del atolladero de manera chusca; desconozco bien a bien los motivos que llevaron a la demanda por parte de los MGMT, quiero suponer que no fue por el hecho de que la canción haya sonado en una fiesta, ni que hubiese servido de fondo de algún video, sino que ese video tenía fines políticos; Isabelle Wekstein, representante del dúo declaró lo siguiente: “Parece ser que aquellos que castigaron a los usuarios de internet por compartir su música son los que menos respetan los derechos de autor”.

Trátese de una venganza o no, lo cierto es que de ahora en adelante, la rigidez manejada hasta este momento por el gobierno francés, respecto a los contenidos multimedia, está por demás cuestionada y desprovista de autoridad, para exigir respeto a los derechos intelectuales y de autor.

LARVA: Un laboratorio que no termina de cuajar

2009-02-02T18:14:00.011-06:00

El inicio de este 2009 trajo consigo el renacer de un foro que parecía haber caído en el olvido tanto de las autoridades municipales como de los propios jóvenes asiduos de la vida nocturna tapatía. Con una fiesta de fin e inicio de año el Laboratorio de Artes Variedades (LARVA) re abrió sus puertas a un público ansioso de fiesta por aquellas fechas; y es que fue también durante ese limbo que significan las fiestas decembrinas que dentro del Ayuntamiento de Guadalajara se autorizó una partida presupuestal de cerca de 10 millones de pesos para volver a reactivar el antes cine Variedades. Y es que no es la primera vez que ocurre esto, era el 2006 (año electoral) cuando LARVA, comenzó a entrar en el gusto de la juventud tapatía deseosa de vida nocturna, al mismo tiempo que se convertía en un foro importante para las bandas noveles que querían ser escuchados; sin embargo pareciera que la popularidad del lugar decayó conforme el 2 de julio de ese año (el día de las elecciones) pasó en el tiempo; fue entonces una llamarada de petate, mero truco electorero por parte de la dirección de cultura del Ayuntamiento tapatío.

Así, en este 2009 es que LARVA abre nuevamente sus puertas con ese desagradable tufo, otra vez, politiquero de hace tres años; basta con darse una vuelta al lugar para encontrarse con los personajes que dirigen la "cultura" tapatía, un Santiago Baeza y un Rogelio Flores (sí el mismo que dejó morir ni más ni menos que al lugar más emblemático que ha tenido esta ciudad dentro del circuito de foros alternativos, El Roxy), se pavonean saludando a todo mundo, cual político placero.

Sin embargo, parece ser que la pestilencia con la que se abre otra vez LARVA, no importa a los asistentes (¿porque habría de hacerlo?), quienes sólo van a disfrutar de lo que el lugar puede ofrecerles. La oferta se presenta cada jueves, los cuales hace llamar Jueves de Garage, en donde bandas locales y otras de fuera, tocan de manera gratuita, además se acompaña de alguna que otra exposición. En lo particular, creo que la idea es excelente, el lugar me parece estupendo, al estar ahí no puedo dejar de sentir cierta añoranza por el olvidado galerón de Mezquitán 80; también sé que dentro del proyecto que recién inicia en LARVA, se encuentra gente que trabaja honesta y comprometidamente.

Sólo espero que esta vez el proyecto de LARVA en verdad vaya en serio y que no sea nuevamente utilizado como plataforma política, y es que lugares como este siempre se agradecen dentro de una Guadalajara que a base de gritos exige foros alternativos más allá del Auditorio Telmex o la Arena VFG. Ojalá que una vez pasado el 5 de julio de este año, el galerón de Juárez y Ocampo no sea nuevamente abandonado.

Salud pues, por el renacer de este laboratorio en cual deseo que termine de consolidarse con un verdadero foro multidisciplinario y alternativo en dónde todo aquel que tenga una propuesta pueda tener acceso al mismo. Salud por LARVA.

2008: EL FUTURO ES RETRO, LA VANGUARDIA FOLKLORE

2009-01-23T19:52:00.003-06:00

El saldo del año deja muy mal parado la idea de música como evolución. Para bien y para mal. Acostumbrados, desde los noventa, a que toda vanguardia iba acompañada de un supuesto, publicitado o imaginado avance tecnológico de la mano de la música electrónica, el 2008 pareció darle la última estacada a la fantasía de una evolución musical en el panorama "global", aunque lo "global" se reduzca al nada "global" ámbito del cada vez más mediatizado (¿medio idiotizado?) pop y rock.

Lejos están los días en que el pop de vanguardia se rodeaba de lo último de lo último de la electrónica para darle pedigrí a los superventas. Pienso en Radiohead aliándose con el talentosísimo iraní Kieran Hebden alias Four Tet, en Matmos haciendo chambitas para Bjork e incluso Bowie sumando a Goldie a su camaleónica carrera .

Por el contrario, contemplando el 2008 con cierta distancia uno observa como la electrónica de hoy se parece, por un lado, cada vez más a la electrónica de ayer y por otro lado, como la electrónica no es más que el rock de hoy. Lindstrom, el gran fenómeno electrónico en las revistas especializadas es ejemplo de lo primero con sus abiertos guiños a Mike Oldfield o Jean Michel Jarre antes despreciados por ser " New Age".

La pomposidad cósmica a la Vangelis también está presente en las atmósferas intoxicadas de electrónica analógica del fenómeno festivalero llamado Holy Fuck! pero también en los pos rockeros Pivot. Si hablamos de la veintiúltima revisión al synth pop de los ochenta nada más unos cuantos nombres socorridos: Cut Copy, Hot Chip, Ladyhawke...

El quincuagésimo revival del Kraut Rock de los setenta es el fundamento en los revitalizados Stereolab y en el maravilloso pop psicodélico de Deerhunter. De la misma manera, los gigantes Portishead recurrieron al Kraut y lo retorcieron para facturar lo que, en mi opinión, es el más grande disco del 2008.

Y si la electrónica ( o el pop electrónico) hundió sus raíces en.... las raíces de la electrónica, el rock hundió sus raíces en los confines del rock, es decir, en las músicas folklóricas. ¿Lugar favorito para turistear? La expoliada Africa. Y un poco también el Sureste Asiático y nuestra caótica Latinoamérica.

Lista de grupos de rock que durante el año han mencionado (o se les ha endilgado) alguna influencia africana: High Places, Abe Vigoda, Foals, The Dodos y los multipublicitados Vampire Weekend. Este año le ha tocado al continente negro y se habla de afroindie hasta por los codos. De la misma manera, el 2008 será conocido como el año de El Guincho, el cual cargará para siempre el slogan de: " El-artista-español-más-reconocido-internacionalmente-de-todos-los-tiempos" .

A mi los esloganes no me van. Pero que le cuelguen milagritos a El Guincho no es culpa de el sino de una prensa cada vez más ansiosa por encontrar fenómenos mediatizables. El de las Canarias ha sabido sintetizar, en solitario y con los Coconut, el trance y la cadencia de los ritmos latinos. Puro "mantra tropical" diría un colega.

Y si de latinidades hablamos, lo mejor de este año y de hace muchos años, pésele a quién le pese, son los Calle 13. Ingenio, ritmo, sabiduría en las mezclas, sentido del humor, excelente producción... hace falta decir algo más para convencer a los que les "salen ronchas" cada vez que se escucha la palabra reggaetón... no, no hace falta decir nada más, sino escuchar "Los de atrás vienen conmigo" y armar una " fiesta de locos".

Y ya que la industria musical se ha llenado este año los bolsillos a costa de los ritmos afro y latinos, no está de más hacer una mención a DJ/Rupture, el cual en varias entrevistas espeto severas críticas contra los indie poperos y demás fauna por lo que el considera un robo, o sea, a falta de ideas, los chicos ricos de occidente vacacionan en otros latitudes (sobre todo Africa) donde se revitalizan, mientras los artistas autóctonos siguen sin recibir nada a cambio. Ya se ha repetido en otros lugares, pero nunca es demasiado: Si tanto les gusta Africa a los indies ¿Para cuando Femi Kuti o Tinariwen al lado de Vampire Weekend en el festival ATP?

Los discos del snobground 2008 V

2009-01-22T20:07:00.015-06:00

Calle 13 - "Los de atrás vienen conmigo" (Norte)

Deerhunter - "Microcastle" (Kranky)

Dengue Fever - "Venus on Earth" (M80)

M83 - "Saturdays=Youth" (mute)

Femi Kuti - "Day by Day" (Mercer Street_Downtown)

Foals - "Antidotes" (Transgressive)

Portishead - "Third" (Mercury/Island)

10 años de músic@ en línea

2009-01-05T09:04:00.011-06:00

Con la finalización de un año más las estadísticas y datos no se hicieron esperar, y no es de extrañar que nuevamente, en el pasado 2008, las ventas de discos cayeran de manera importante, sólo en Estados Unidos se habla de que la caída fue de hasta un 14% con respecto al año anterior (2007). Sin embargo y a pesar de haber vendido menos que en el 2007, las disqueras, pero sobre todo las majors (según George Yúdice, las cuatro majors, Sony-BMG, Universal, EMI y Warner, controlan cerca del 80% de las ventas de discos a nivel mundial), tienen la llamativa cifra de 352 millones de discos vendidos en el 2008, lo que seguro trajo consigo más de un par de dólares a los bolsillos de los representantes de estas trasnacionales.

Los apocalistas seguro estarán regodeándose con estas cifras y saldrán a decir que todo lo que han pregonado acerca del fin de la industria musical es cierto; sólo que existe un pequeño problema, estas personas han errado en algo, si bien es cierto que los números son claros y no mienten, además de representar un prueba contundente, de que a no ser que algo extraño suceda, la tendencia es la desaparición del cd (postura de la cual soy escéptico a pesar de los datos, pero ese es otro tema), hoy en día nadie puede negar que la música circula y se escucha más que nunca.

Alguien, indudablemente, se encuentra en crisis, o por lo menos a alguien deben de estarle pegando estas cifras, pero ni es a la industria musical (que no exclusivamente depende de la venta de discos), ni a la música y me atrevería a decir que ni a los músicos o artistas, al menos no del todo. Los realmente afectados resultan ser unos pocos que viven de las rentas que les dan las ventas de los cd’s, la crisis pues, radica dentro de la industria discográfica, dentro de las disqueras. Por ahora no hablaremos de ello.

Y es que efectivamente algo está cambiando dentro de la industria musical, pero ello no quiere decir que se encuentre en crisis. ¿Cómo se puede estar en crisis, si hoy es más sencillo conseguir y tener acceso a música de cualquier latitud? ¿Por qué hablar de crisis, si día con día, conocemos más y más bandas nuevas? Todo esto pareciera imposible hace algunos años ¿20? ¿15? No, hace apenas ¡10 años!, que al ritmo de ésta la sociedad de la información parecen ser siglos de distancia.

Hace diez años, tal vez pocos lo tengan presente o recuerden, comenzó todo; la historia de la industria musical dio un giro estrepitoso, para no volver nunca más, al punto de partida. Las nuevas tecnologías, que para entonces se encontraban en pleno ascenso, hicieron mella en el ámbito musical; el mp3 cambió completamente la concepción que hasta entonces teníamos de la música, convirtiéndola en algo, ya de por sí, totalmente abstracto y ubicuo, líquido dijera Bauman. Sin embargo no fue el formato lo trajo el cambio únicamente, aunque sí representa la piedra angular de este, se necesitaba algo que permitiera la distribución de dichos archivos mp3 de una manera sencilla.

Fue entonces que un chico de 19 años Shawn Fenning, creó un software que amenazaba con ser el tiro de gracia para las disqueras, a mediados de 1999, hace ya diez años, algunos pocos, que posteriormente fueron millones, conocieron y utilizaron un programa que su creador lo hizo llamar Napster, el cual permitía intercambiar archivos mp3 con otros usuarios que estuvieran conectados a través del programa en cualquier parte del mundo, mediante la tecnología peer to peer (P2P), esto significaba el acceso a “las bibliotecas de Alejandría del sonido grabado” como escribiera en alguna ocasión Javier Blánquez, sin salir de casa a tan sólo un par de clics de distancia y lo mejor de todo…completamente gratis.

Sobra decir que aquello representó un duro golpe a las majors la cuales al igual que hoy se lanzaron en una lucha en contra de Napster al sentir que sus intereses (¿económicos?), se veían afectados, pero sobre todos, según argumentaron se violaba los derechos de autor. Finalmente la batalla legal se decidió a favor del emporio discográfico y Napster cerró sus operaciones, sin embargo a partir de aquel verano del 1999 hasta la fecha, los magnates de las disqueras duermen mucho menos tranquilos que antes y es que con desaparecer Napster no se terminó el problema y al contrario de lo esperado por las trasnacionales, el efecto que sucedió fue la propagación de este tipo de software. La semilla estaba plantada y esperando florecer, miles y millones se encargaron de regarla y cultivarla.

Hoy en día parece ser lo más común que desde una computadora conectada a Internet se descargue un archivo mp3, ya sea por P2P, netlabels o blog’s, el incremento de descargas, legales e ilegales, va en ascenso ante la mirada horrorizada, de aquellos que sienten perder su empleo o miles de millones de dólares al año tras un escritorio, sólo por la sencilla razón de que ahora ya nadie los necesita para conseguir y escuchar la música que a cada quien le gusta.

Fanning y Napster fueron los pioneros en la reconfiguración de una industria musical que se encontraba necesitada de librarse de las manos de unos pocos que se dedicaron a exprimirla y explotarla hasta dejarla desahuciada y en estado de coma. Esas mismas personas, ahora sólo se limitan a contemplar como los cambios se dan sin necesidad de ellos, y es que ahora como hace 10 años siguen sin entender aquello que Kusek atina en apuntar al referirse a las personas que descargan e intercambian música por Internet: “Intercambian archivos gratuitamente porque les gusta la música y los artistas, no porque quieran causar daño; sencillamente, no se les ha dado suficientes opciones para que se comporten de otra manera”.

Los discos del snobground 2008 IV

2008-12-17T16:40:00.002-06:00

Atlas Sound - Let the blind those can see but cannot feel (Kranky)

Coconot - Costa Astral (Bcore)

Abe Vigoda - Skeleton (PPM)

Nacho Vegas - El manifiesto desastre (Limbostarr)

Ra Ra Riot - The Rhumb Line (Barzuk)

Rodriguez - Cold Fact (1970) (Light in the Attic: Reedicion 2008)

DELEUZE, DESEO, DELIRIO

2008-12-17T16:37:00.002-06:00

“El poder asistir a las clases de Deleuze fue como si explotasen barreras en mi cerebro y me permitiesen pensar en un universo que no conocía.” Santiago Auserón – Radio Futura-

“Un día, el siglo será deleuziano” Michel Foucault

Si MICHEL FOUCAULT fue el historiador de los infiernos, GILLES DELEUZE fue el filósofo de los dementes. El gran teórico de la mutación de las sociedades disciplinarias en sociedades de control, también supo crear universos posibles donde reinaba la multiplicidad, sus máquinas deseantes son aparatos retóricos con los cuales producir alteridades que sobrepasan los límites de la aparente realidad. Sus conceptos son, ya mismo, una apuesta presente. Junto con FELIX GUATTARI escribiría dos de los libros más influyentes del pensamiento contemporáneo: “El Anti-Edipo” (1972) y "Mil Mesetas" (1980). También fue uno de los pensadores que influyeron y siguen influyendo –con su pensamiento- en el ámbito de la música. Desde las influencias anecdóticas, como Santiago Auserón, líder de RADIO FUTURA, que fue su alumno en el doctorado de Filosofía de la Sorbona, hasta los músicos que llevaron a la práctica musical ideas y reflexiones deleuzianas.

RICHARD PINHAS, por ejemplo, alumno del filósofo y conocido mediaticamente como padre de la electrónica francesa, lleva desde los años setenta elaborando paisajes que transitan entre las frecuencias análogas, el paisajismo y la ruptura rock. Con el tiempo se ha alejado del synth pop/ambient que lo hizo medianamente famoso en los ochenta para transitar el camino del ruido y la experimentación. Su compañero de ruta ha sido el maestro japonés del ruido MERZBOW. En la webdeleuze se encuentra de forma gratuita el último trabajo que estos dos músicos han hecho en conjunto.

El otro celebre caso del ensamblaje entre pensamiento deleuziano y música es el de la disquera Mille Plateaux (Mil Mesetas) que durante los primeros años 2000 transformó el panorama electrónico global con la puesta en escena de la electrónica minimal y su tinglado de clicks, cuts, glitches y demás afortunados errores digitales. Sus compilados “Clicks and Cuts” representan, sin duda, el último gran vuelco de la electrónica y sus booklets erán auténticos tratados de filosofía auditiva, un intento de fusionar el arte de pensar, la contemplación y el baile. Con cierto grado de razón, el llamado minimal, es juzgado por algunos demasiado cerebral, y para muchos otros su influencia se reduce a una pálida huella en la memoria donde se puede leer “esto es electrónica de ruiditos”, pero si incluso los más adversos, se dieran el tiempo de escuchar las grandes obras de músicos como AKUFEN, DONNACHA COSTELLO, ULTRA RED, VLADISLAV DELAY o ALVA.NOTO reconocerían el mérito de haber conseguido ampliar el universo sonoro de lo posible.

En su último gran gesto ¿filosófico?, Gilles Deleuze se aventaría por la ventana de su departamento de París en el año de 1995. Antes, durante los ochentas, la televisión francesa produciría el abecedario deleuziano, aquí la letra D, de Deseo, que les aproveche...

PARTE 1:

PARTE 2:

PARTE 3:

Los discos del Snobground 2008 III

2008-12-02T14:30:00.001-06:00

The Organ - Thieves [Ep] (Mint)

Pop Levi - Never Never Love (Counter)

Flight of the Conchords (Sub Pop)

Q-Tip - Renaissance (Universal)

Dr. Dog - Fate (Park The Van)

UN PORTAL AL UNIVERSO COTIDIANO DE LOS ARTISTAS: LOS CONCIERTOS PARA LLEVAR

2008-11-28T05:49:00.010-06:00

La Blogoteque es una web francesa dedicada al cien por cien a la música. Con entrevistas alucinantes y reportajes de acabado artesanal, es un oasis de creatividad y sentimiento entre tanta web "indie" gringa con anuncios de ropa interior de moda(ejem, ejem... ¿pitchfork?, ¿vice?). La blogoteque es casi un archivo enciclopédico de la música independiente actual. Les concerts a emporter -"Los conciertos para llevar"- es una de las secciones del blog y en ella muestran a grupos y artistas en solitario traspasando la barrera de los festivales filmandolos en espacios de intimidad y cotidianedidad inusitados. Más allá de los faraónicos escenarios de los festivales europeos aquí se muestran a los artistas tocando como artistas callejeros de alguna ciudad, en habitaciones de hotel, en balcones, en lanchas, en fiestas de amigos... Conciertos donde los músicos bajan del pedestal para poder verlos a los ojos y escuchar hasta las pisadas de sus guitarras. Por Les concerts... han pasado gente como VAMPIRE WEEKEND, YEASAYER, ANIMAL COLLECTIVE, AU REVOIR SIMONE, BLACK LIPS, CARIBOU y muchos más, pero ahora les dejo aquí mismo el link para los videos de los holandeses THE EX.

The Ex son un grupo que viene sacando albumes desde el mero inicio de la década de los ochenta. Surgidos de la escena anarquista, estos holandeses eran algo así como el reflejo europeo de lo que se estaba haciendo en Inglaterra alrdedor del colectivo artístico-político CRASS. Es decir, su música era rabioso hardcore militante. Anarco-punk se le llamo después. Son míticas sus giras europeas con otros pilares de lo anarco como CHUMBAWAMBA y DOG FACED HERMANS. De esta manera, cuando se habla de The Ex, se utilizan calificativos como congruencia, principios, fundamentos, etc, etc. Si entendemos principios como los dogmas a los que estan acostumbrados muchos en la escena anarco-punk no se podría estar más equivocado. De hecho, su genio ha consisistido en moverse desde la ortodoxia hardcore de principios de los ochentas hacia el noise, el free jazz y la experimentación desde mediados de esa misma década, para desembocar en su interés actual por las repeticiones trancísticas de la música africana. Las colaboraciones en directo o en estudio con artistas de diversas procedencias son infinitas: SONIC YOUTH, TORTOISE, STEVE ALBINI, MEKONS, GETATCHEW MEKURIA... Ruido sublime, que lo disfruten.
Un agradecimiento a mi amiga Nizaia Cassián que me dio el tip sobre esta página.

Los discos del Snobground 2008 II

2008-11-27T00:00:00.001-06:00

Santogold (Lizard King)

T.I. - Paper Trail (Atlantic)

Glasvegas (Columbia)

Cap Pas Cap - Not not is fine [Ep] (Skinny Wolves)

The Dodos - Visiter (Frenchkiss)